Horas después de acompañar a María Becerra en su show en el <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/12/16/maria-becerra-hizo-historia-en-river-y-marco-un-antes-y-un-despues-en-los-shows-en-vivo-en-argentina">Estadio Monumental</a>, y con las emociones aún a flor de piel, Denise Di Paolo comparte un <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/p/DSQ3Yx0DDrX/">video en sus redes sociales,</a> donde se luce la coreografía comandada por Rocío Nuñez y Mariano Florido, y escribe: “No me entra más felicidad y gratitud en el cuerpo”. Frase que podría resumir lo que significa para ella la danza en general.Bailarina y docente, oriunda del oeste de la Provincia de Buenos Aires, su curiosidad e interés por este rubro empezó desde chica. Gracias a su formación y trabajo constante, recorrió escenarios de todo el mundo con artistas como Emilia, Tini, Nicki Nicole, Luis Fonsi, y formó parte de videoclips de Duki, Lali, Khea, Cazzu y Young Miko. “Me permitió conocer y compartir con gente increíble que hoy son familia”, afirmó en una nota en exclusiva con Filo News.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/Bc3QggBFTA7/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=be7b03d1-1a13-460a-b99f-8e07ff002477&amp;img_index=2"></oembed></figure>Esa trayectoria la plasmó en “On Tour”, un espacio que creó para dar a conocer el detrás de escena de una gira, con testimonios de coreógrafos, bailarines y entrenadores. Hasta la fecha tuvo dos ediciones, que contó con la participación de profesionales como Denise de la Roche, Axel Napp, Nicolás Fleitas, Priscila Echeverría, Valentina Toranzo o Nicolás Blanzari.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DH36XI3uzWV/?hl=es"></oembed></figure>Filo.news dialogó con Di Paolo para conocer más sobre este proyecto, su historia con la danza, su experiencia junto a los artistas, sus sueños a futuro y más. &nbsp;Filo News: ¿Por qué decidiste ser bailarina? ¿cómo empezaste en el rubro?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DC73nQfsUIS/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>Denise: Desde chiquita siempre fui muy inquieta y hacía muchas actividades, pero justo antes de empezar a bailar yo hacía gimnasia artística y en una de las muestras de fin de año presentábamos una coreografía. Si bien yo era muy vergonzosa, me di cuenta que me gustaba mucho bailar y cada vez esperaba con más emoción el momento de ensayar esa coreo. Era algo muy nuevo que me despertaba algo diferente y que también me permitía “jugar” mucho más que la gimnasia, que era más estricta y competitiva.Un poco por recomendación de mis entrenadoras, otro poco por instinto, mis papás me llevaron a una escuela de teatro musical, B'way St en Haedo, que terminó siendo mi segunda casa. Empecé tomando clases los sábados de teatro, de danza, de canto, de tap, de coro... y sin dudas mi momento favorito del día era cuando teníamos que bailar. De a poco empecé a priorizar más la danza por sobre las demás disciplinas y empecé a tomar clases de diferentes estilos, iba de lunes a lunes.La verdad dedicarme a esto no fue algo que decidí, sino que empecé a hacer algo que me di cuenta que amaba hacer, y empezaron a surgir oportunidades, trabajos, eventos, propuestas, que me fueron llevando a hacer de esa pasión una carrera. Eso fue en 2008, hace ya 17 años.¿Qué representó para vos bailar con figuras como Emilia o Tini, cómo fue trabajar con ellas?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DPup7ZujOSw/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>Cuando empecé a bailar no era tan común como ahora que un artista argentino haga una gira por el mundo, menos con bailarines justamente de Argentina. Siento que era algo que se sentía muy lejano, casi imposible. Por eso cuando vi el flyer de que en Buenos Aires se hacía una audición para una gira por Europa, ya se sentía como algo irreal.El casting para ese primer tour de Tini fue en 2016, yo ya bailaba hace unos 8 años, pero fue la primera vez que me sentí como entrando al mundo real con gente que ya se dedicaba a esto profesionalmente, gente que yo veía en videos y que admiraba mucho; siento que haber quedado fue un voto de confianza enorme, me hizo sentir que estaba a la altura y que de verdad se podía vivir de esto. Fue un sueño cumplido, algo con lo que realmente fantaseaba pero nunca creí que pudiera hacerse realidad.Con Emi tuve una experiencia hermosísima también, llegó después de la pandemia y fue un shot de energía fundamental, fue volver un poco al ruedo, pero nunca pensé que se convertiría en todo lo que vivimos. Siento que fue diferente porque yo ya había tenido otros trabajos en el medio, era un poco más grande y tenía un poco más de experiencia, pero también me permitió crecer con ella como artista y como persona. Empezamos haciendo shows en boliches y cumpleaños de 15 y 4 años después terminamos haciendo 14 estadios en Buenos Aires y girando por Europa, México, Colombia, Estados Unidos.. siento que crecimos, nos sostuvimos y nos acompañamos mucho mutuamente en todos esos años.Ambas fueron experiencias soñadas, me permitieron viajar por el mundo, conocer y compartir con gente increíble que hoy son familia. Me confirmó que no solo podía, sino que definitivamente quería seguir viviendo de esto. &nbsp;¿Cómo fue la preparación para el show de María Becerra en River?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DSOFzZ9AcvR/?img_index=1"></oembed></figure>Estuvimos ensayando hace ya dos meses, y si bien es “lo mismo” que vengo haciendo hace unos cuantos años, fue algo muy diferente a todo lo que hice alguna vez, un gran desafío. ¡Fue un show diferente! ¿Un escenario 360 en River? Desafío absoluto.¿De qué se trata el proyecto On Tour? ¿qué te impulsó a hacerlo? ¿Qué anécdotas te llevaste de esos tours? ¿Hay alguna que te haya marcado?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DGq8fWpu_KJ/?hl=es"></oembed></figure>On Tour nace desde las ganas de crear un espacio para compartir mis experiencias girando con artistas sin la necesidad de poner el cuerpo, y dar herramientas que nadie te da hasta que tenés el laburo. Hay muchas cosas que fuimos aprendiendo y herramientas que fuimos adquiriendo sobre la marcha y los trabajos, que son muy importantes y que nadie te las enseña hasta que estás ahí. Sentí que había muchas cosas que podía compartir con gente que soñaba con esto como yo, y podía ayudarlos a estar más preparados para cuando llegue la oportunidad.Obvio hay que saber bailar y tener herramientas en cuanto a la danza, pero también hay muchas otras cosas que nadie te cuenta o no se enseñan que son igual de importantes en una gira o en un show (incluso a veces más importante que las coreos, los pasos o como bailes en sí). La importancia de una buena alimentación, el descanso, la recuperación muscular, lidiar con la presión y los nervios, el saber adaptarte al espacio, la importancia de poder resolver en situaciones de estrés, entre otras.¡Anécdotas tengo muchas! Jaja varias caídas, percances con el vestuario, tacos que salieron volando, y todas me enseñaron a resolver, seguir adelante y reírme de la situación. Hay cosas que se pueden anticipar y cosas que no, lo importante es estar lo más lista posible para adaptarte y ver cómo lo resolvés.¿Qué es lo que más disfrutás de enseñar danza? ¿Qué dirías que es lo más desafiante de tu carrera?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DJSp341s2dX/?utm_source=ig_web_copy_link&amp;igsh=NTc4MTIwNjQ2YQ=="></oembed></figure>Me inspira mucho ver mis coreos y creaciones en otros cuerpos, siento que lo más lindo de bailar es que nunca dejas de aprender. Ver el crecimiento de tus alumnos, sentirte inspirada o motivada por la gente que elige tus clases, ver sus elecciones a la hora de moverse, es muy lindo y me enseña mucho.Lo más desafiante siento que es lidiar con la incertidumbre y la autogestión permanente, pero también es un motor de búsqueda constante. Todos mis días suelen ser diferentes y eso me aleja de la monotonía, de la rutina, de aburrirme. Creo que los momentos de calma son necesarios, pero quedarse quieto nunca es una opción.Pero también es difícil separar a la persona del artista, lo que hacemos suele ser una expresión de cómo nos sentimos, y muchas veces podemos expresarnos de manera libre, y muchas otras tenés que poner una coraza, tu mejor sonrisa y salir a hacer un show. Por eso creo que es clave tener momentos de desconexión, buscar inspiración, y encontrar objetivos que te ayuden a seguir creciendo.¿Qué bailarines o bailarinas admirás? ¿Qué le recomendarías a alguien que quiere ser bailarina profesional?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/B4_XJaUpJx2/?utm_source=ig_embed&amp;ig_rid=61d5d172-e0ae-4887-9415-520fddebde2e"></oembed></figure>Admiro a muchos bailarines que buscan constantemente superarse y buscan nuevas formas de moverse pero sobre todo a aquellos que me transmiten o me generan algo cuando bailan. Caetlyn Watson de Australia y J Blaze de Estados Unidos son dos grandes inspiraciones, pero también me inspiran muchos de mis compañeros y amigos, que me motivan y me generan ganas de seguir creciendo.De cara a futuro, ¿qué sueño profesional te gustaría cumplir?<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/CmFo9OQrxM2/?hl=es&amp;img_index=1"></oembed></figure>Hay algunos artistas que me encantan y me encantaría bailar para ellos algún día, y seguir recorriendo países y conociendo gente que me inspire hoy es lo que más me motiva. En unos años me gustaría poder viajar compartiendo mi danza y quizá dando clases en distintos países para seguir aprendiendo e inspirándome. Como dije más arriba, lo que más me gusta de bailar es que nunca dejamos de aprender.

De Haedo al mundo, “Denu” también es docente y creadora de “On Tour”, un espacio donde los coreógrafos cuentan el detrás de escena de los tour con artistas. Tras los shows de “la Nena de Argentina” en River, hablamos con ella para conocer qué es lo que más disfruta de su profesión y cuáles son los principales desafíos.

De Haedo al mundo, “Denu” también es docente y creadora de “On Tour”, un espacio donde los coreógrafos cuentan el detrás de escena de los tour con artistas. Tras los shows de “la Nena de Argentina” en River, hablamos con ella para conocer qué es lo que más disfruta de su profesión y cuáles son los principales desafíos.

Denise Di Paolo, bailarina de Tini, Emilia o María Becerra: “Nunca dejás de aprender”

A 10 años del final de “Violetta”, Tini Stoessel volvió a la actuación con “Quebranto”, la nueva serie de Disney+ que ya está disponible. La artista interpreta a Miranda, una joven que viaja a México para descubrir la verdad sobre su familia biológica; lo que ella no sabía, era que se iba a encontrar con una peligrosa red de secretos y revelaciones que pondrán a prueba todo lo que creía saber sobre su pasado.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Y2vu_s6jaQU"></oembed></figure>Desde Filo.news entrevistamos en exclusiva a la artista argentina junto a Martín Barba y Jorge López; <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.youtube.com/watch?v=EcUaaOXlvNA">podés ver la nota completa acá.</a> Pero eso no es todo: también estuvimos presentes en la conferencia de prensa y en la premiere de la serie en Ciudad de México, donde los protagonistas brindaron declaraciones para los medios locales.<h4>Las frases más destacadas del elenco</h4>TINI STOESSEL (MIRANDA SANGUINETTI)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/qu7575_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Es de esos proyectos que cuando salís sentís una transformación, sentís que creciste. Siempre supe que tenía ganas de actuar, pero se necesita mucho tiempo para trabajar un personaje, creo que llegó en un momento indicado en mi vida, decidí darle el tiempo que se merecía esta serie. Fue una experiencia muy linda y muy segura, con mucho aprendizaje, me sentí súper cómoda. &nbsp;Estoy muy contenta con el resultado.MARTÍN BARBA (LEO)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/mar5006_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Cuando recibí este personaje tenía un poquito de miedo porque era un personaje muy diferente a mí, con escenas de acción que nunca había hecho. Y fue el personaje perfecto para demostrar que lo podía hacer. Me preparé, tengo la costumbre de buscar muchas películas, series que tienen que ver con el tema. También me metí a un taller para hacer escolta en la vida real. Ya no regresé por mi certificado porque creo que no lo voy a hacer nunca.JORGE LÓPEZ (JAVIER LARA)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/ju3784_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Es la primera vez es que me toca un proyecto en el que interpreto un personaje cercano a mi edad, que ya estoy en los 30. Significa que los conflictos son otros, las dinámicas son otras, las problemáticas son mucho más profundas. Entonces, creo que en ese sentido sí hay un antes y un después en mi carrera. He aprendido muchísimo de cada cultura que me ha tocado vivenciar. Al final del día es entretenimiento, no estamos acá para educar ni enseñar, pero sí para transformar con un granito de arena que alguien le haga sentido a alguna cosa o algo de la trama.BERNARDO DE LA ROSA (DIRECTOR)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/ber8180_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>El reto siempre que está ahí; inclusive, cuando terminamos de filmar, el reto sigue, porque me parece que en los detalles está todo, desde el sonido, desde el pedacito de color en el cielo, todo detalle suma y el reto está como director hasta que entregas la última pieza.&nbsp;"Quebranto" es una palabra es una palabra poco común y en realidad por eso nos gustó. La serie empieza con personajes que están rotos y desde ahí van encontrando la verdad. Un poquito esa era la premisa.DANIELA PEÑA (GABRIELA)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/ty4520_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Para mí siempre es importante las primeras pláticas que tuvimos ahí con Bernardo y con otros actores. Encontrar siempre sensaciones, imágenes, buscarlo mucho desde el cuerpo para mí es muy importante.&nbsp;Yo creo que Gabriela representa, sobre todo en la época en la que se está retratando de su juventud pues a muchas mujeres mexicanas. Quizá muchas chicas, muchas mujeres puedan identificarse, hay ciertas cuestiones sociales que todavía nos aquejan.ANTONIO DE LA VEGA (EMILIANO LARA)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/ki7257_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Cada vez más me encuentro con la casualidad de que los personajes me dicen algo de mí mismo. Creo que a partir de ahí he ido desarrollando mi trabajo actoral. Partiendo aquí desde la premisa de que todos los personajes estaban quebrados, tenía yo que entender dónde estaba el quiebre de mi personaje. Todos estamos quebrados. Todos nos hemos quebrado en algún momento de nuestras vidas.LUCÍA GÓMEZ-ROBLEDO (VICTORIA LARA)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/ju7811_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Yo creo que mi personaje cree que nunca jamás se va a quebrar porque tiene el control, porque tiene poder. Mi personaje es la única mujer en esta familia, una familia que vive de la violencia; ella siento que incluso justo desde el vestuario intenta masculinizarse para ganarse su lugar. Representa luego los esfuerzos dobles o triples que tenemos que hacer las mujeres para ser tomadas en serio. Creo que representa algo un avance, pero obviamente con las realidades y todavía las limitaciones que existen todavía en una sociedad que pues sabemos que no siempre es muy igualitaria.SEBASTIÁN SILVETI (GERARDO LARA)<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/vy8416_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>El reto primero fue darle a Gerardo una verdad. Empecé a escuchar música que nunca había escuchado, a ponerme en sus zapatos, y por supuesto el vestuario. Y yo sí usé referencias y mucho me acuerdo de ver "The Shining" con Jack Nicholson varias veces. Helena Bonham Carter con Harry Potter también con una referencia. Como dice Tini, se siente bien portarse mal.<h4>Datos del detrás de escena de “Quebranto”</h4>- Preparación de Tini para el personaje: Tini recibió clases de piano para interpretar a Miranda, ya que su personaje es pianista. Se preparó intensivamente para poder ejecutar las escenas musicales.- Escenas de riesgo: En el episodio 3, Tini protagoniza una escena de alto riesgo en la que su personaje cruza una calle entre autos en movimiento. Aunque se contó con una doble de riesgo, la secuencia fue ensayada varias veces y finalmente realizada por la propia actriz, por lo que no fue necesario utilizar los planos con la doble.- Maquillaje y caracterización: Para mantener la coherencia con el personaje de Miranda, quien no tiene tatuajes visibles, se maquillaron varios tatuajes reales de Tini en las manos. Además, se utilizaron prótesis para representar heridas en las uñas en determinadas escenas.- Vehículos utilizados: Se emplearon distintos vehículos de acción, divididos en dos líneas temporales: los años 2000 y la actualidad. Esto implicó el uso de autos de época y modernos, seleccionados cuidadosamente para reforzar el diseño de producción y la evolución temporal de la historia familiar.- Diseño de sets: La mayoría de los sets fueron recreados en locaciones reales, aprovechando espacios que funcionaran como multilocaciones para simular diferentes ambientes. Se destacan locaciones como El Ángel, la Mansión Lara y el antro, donde se construyó un espacio específico para alojar a las personas secuestradas por la familia, clave en la narrativa.- Escenas de acción: Martín Barba trabajó con un equipo de dobles de acción para las secuencias más peligrosas, aunque él mismo aprendió y ejecutó la mayoría de las coreografías de pelea, siempre que no representaran un riesgo para su seguridad.- Uso de armas de fuego: Se realizaron tres sesiones específicas con armas, bajo la supervisión de armeros profesionales. Cada arma fue seleccionada de acuerdo con la personalidad de los personajes, siguiendo la idea de que cada una posee una identidad propia que debía integrarse con el rol.<h4>Las fotos que nos dejó la premiere</h4>&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/64240_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/hy5790_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/42369_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/34325_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/23666_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/16875_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>

Desde Filo.news participamos de la conferencia de prensa y en la premiere de la serie, donde estuvo presente el elenco y el director. Te dejamos las principales declaraciones en esta nota.

Desde Filo.news participamos de la conferencia de prensa y en la premiere de la serie, donde estuvo presente el elenco y el director. Te dejamos las principales declaraciones en esta nota.

Fotos | Así se vivió el estreno de “Quebranto” en México

Miranda quería hacer ese viaje hace tiempo. Ella nació en México y creció en Argentina, país donde se convirtió en una prestigiosa pianista. &nbsp;A pesar de los intentos de sus padres adoptivos por frenarla, tras charlas con el psiquiatra por sus trastornos de ansiedad decide tomar el vuelo desde Buenos Aires hasta CDMX para descubrir su historia e identidad. Lo que no sabía era que se iba a encontrar con una peligrosa red de secretos y revelaciones, que pondría a prueba todo lo que creía saber sobre su pasado.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=EcUaaOXlvNA&amp;t=9s"></oembed></figure>Estamos hablando de “Quebranto”, la nueva serie de Disney+ protagonizada por Tini Stoessel. Se trata de su vuelta a la actuación, 10 años después del fin de “Violetta”, aunque esta vez con un registro completamente diferente: un thriller dramático, lleno de escenas de acción y misterio.“Sí, lo siento como algo recontra desafiante en mi carrera”, confesó la artista argentina en diálogo con este medio, en exclusiva desde Ciudad de México. “Me fui transformada del proyecto, me acompañó también en un momento particular de mi vida, en un proceso personal, me abrazó mucho. También me pareció tremendo ver tanto talento junto y tan buena gente también, me hizo muy bien”, sumó al mirar a sus compañeros de elenco, el actor mexicano Martín Barba (“Yo soy Franky”) y el chileno Jorge López (“Soy Luna”).<h4>Hablar de la salud mental a través del arte</h4><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/Quebranto_-_Disney_(12)4755_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Para Tini, ese proceso personal estuvo atravesado por el estreno de su último álbum, “Un mechón de pelo”, donde relató su lucha contra la ansiedad y depresión con canciones como “posta” o “tinta 90”. “Estoy contando parte de mi historia y parte de heridas que todos tenemos. Se sintió muy liberador haber podido hacer música con cosas que ni siquiera me animaba a decir”, expresaba en una transmisión en vivo que hizo en Instagram tras el lanzamiento, un año antes del estreno de la serie.“Yo terminé con el pelo muy cortito después de todo este proceso personal y el personaje de Miranda lo tiene, ¿no? Y para mí claro, yo venía de mi pelo largo de mis shows, del color, ¿viste? De cómo de esta sensación de alegría y de felicidad y… también a mí me sirvió mucho el hecho de no poder ponerme ninguna peluca, ningún disfraz en este en este personaje durante cuatro meses verme en el espejo y tener que aceptarme. ¿Viste? Y no poder modificarlo de ninguna manera. Por eso te digo que fue un personaje y un proyecto que me acompañó en muchas en muchas situaciones distintas”, reveló la actriz.<div class="raw-html-embed"><iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/3wOG84RkmoSoeN3LKkxXga?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>“Está bueno hablar de estos temas para que dejen de ser tabú. Uno a veces se siente muy solo procesando estas emociones, estos pensamientos que te vienen, noches sin dormir y un montón de situaciones en las que llevo mucho que ni siquiera puede salir a comprar un agua porque no puede salir de tu casa porque te da pánico”, dijo la artista argentina, mientras que el actor mexicano destacó: “Creo que es necesario sacarlos a la luz para generar una conversación”.Y qué poderoso plasmarlo a través de una canción o en la ficción: “El arte tiene una cualidad muy poderosa que otras ramas no la tienen, que es el poder de la transformación. Creo que quizás ni siquiera con hablarlo… creo que esto genera como estímulos tan sensibles que de repente viste algo que en ti resonó y ya cambiaste un mecanismo de pensamiento, eso ya dicta otro precedente y tu vida toma otro rumbo. Y eso es porque viste algo, escuchaste una canción que te llevó a ese lugar o viste una escena o un personaje y te clavó con su vida, con su alma y eso es muy bonito de poder ser conductor de eso, ¿no?”, reflexionó el intérprete chileno.<h4>La amistad como red: cómo vivieron el rodaje</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DNrSHXL3k7m/"></oembed></figure>La complicidad y el vínculo entre los tres era muy genuino, y se reflejaba tanto en las palabras como en las miradas -que exponen la verdad sobre el otro, según dicen los personajes en la serie-: “Con Martín no tuve la posibilidad de trabajar mucho porque nuestras tramas no se cruzaban, pero como persona es un tipazo. Y aquí la compañera… &nbsp;¿qué te puedo decir? -dijo el actor de “Elite” sobre Tini- Me enseñaste a fluir más aún, a improvisar la vida, a jugar, a que no me importe nada, a seguir el impulso honesto. De verdad, fue muy bonito, muy poderoso, aprendí mucho, mucho de ti. Si han pasado 10 años que no volviste a la actuación, no se notan en lo más mínimo. Tu trabajo es contundente, superior. De verdad que gracias por contar esto juntos. Me siento honrado de estar a tu lado, al lado de los dos”.“Yo también, lo mismo, lo mismo digo, de los dos. Los amo y me acompañaron mucho, mucho talento, aparte es un placer verlos hacer su su laburo, haber conectado tanto y que me hayan traído tanta alegría. Más allá de lo triste que es la serie, eso también fue lindo”, respondió la intérprete de “Cupido”, a lo que el actor mexicano sumó entre risas: “Yo suelo ser como mucho más cuadrado y organizado y ellos me jalaban al desorden. Pero en realidad me hacía falta, nos equilibrábamos”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Y2vu_s6jaQU"></oembed></figure>El rodaje, que se llevó a cabo en Ciudad de México, Estado de México y Ciudad de Buenos Aires, se extendió un poco más de nueve semanas; entre escena y escena, para descomprimir la tensión se “tentaban todo el tiempo”, según recuerdan: “Ni una escena de comedia y nosotros riéndonos todo el tiempo”, dijo López, a lo que Barba agregó: “Aparte siempre pasa que esa escena donde te mueres de risa es la escena más seria”.Tini recordó dos momentos puntuales; uno con Martín: “Hay una palabra que a mí me costó mucho decir, Acuautla; cuando yo lo dije pensando que lo había dicho recontra bien, Martín se empezó a cagar de risa y ahí fue mi final porque yo empecé a reír, nunca más lo pude decir”; y otro con Jorge: “No puedo contar tanto detalle, pero nos causaba mucha gracia una situación que los dos teníamos que mirar al mismo tiempo y yo sabía que él me hacía reír”.Esa química entre los tres se evidenció no solo en la entrevista, sino también en la conferencia de prensa, premiere y presentación oficial de la serie, donde participaron junto a otros miembros del elenco: Antonio de la Vega (Emiliano), Daniela Peña (Gabriela), Lucía Gómez-Robledo (Victoria), Sebastián Silveti (Gerardo). También estuvo presente el director, Bernardo de la Rosa (“¿Quién mató a Sara?”). Completan el cast Rafael Ferro (Martín), Otto Sirgo (Santiago), Jyasú Torruco (Diego), Karla Garrido (Sara), Rebeca Manríquez (Elena), Areli González (Silvana), Daniela Vargas (María José) y Albi De Abreu (Rafael).<h4>“Take me back to the start”</h4><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/qu5331_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Tras su colaboración en “We Pray”, Tini vuelve a vivir la música de Coldplay de cerca: esta vez con las melodías de “The Scientist”, el exitoso tema de 2002. No solo es la canción que musicaliza la serie, sino que Miranda también la interpreta con el piano en una de las escenas.“Llévame de vuelta al inicio”, expresa la canción de la banda liderada por Chris Martin, en contraste con los personajes que ya no tienen vuelta atrás: sea por sus acciones, por sus decisiones o por sus deseos, todos van a salir transformados y quebrantados de diferentes maneras. Pero ¿si los protagonistas pudieran hacerlo en la vida real? ¿qué época volverían a vivir? ¿qué recuerdan de sus comienzos?“Yo creo que al inicio de mi carrera, como que tuve mucha suerte y me empezó a ir bien muy rápido, o sea, desde un principio me dieron personajes protagónicos y como que yo no dimensionaba lo que estaba sucediendo. No me daba cuenta de lo afortunado que era y me gustaría volver para pues sí, para valorarlo un poquito más”, aseguró Barba.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/08/27/Quebranto_-_Disney_(7)2810_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>López, por su parte, afirmó: “Yo también me iría como más atrás de lo que se llama quizás éxito o una buena carrera, que es cuando empecé a gestar todo lo que en mi vida ahora son certezas, cuando no había nada y solamente como el afán de lograrlo y de hacer de mi vida lo que lo que amo. Ese momento lo atesoro muchísimo y te juro creo que sí lo volvería a vivir porque te juro que eso me alimentó y me dio fuerza, de la dificultad saqué como el rigor de la disciplina, la perseverancia. Cuando las cosas no te salen a la primera, uno tiene que no renunciar jamás, sino que ordenarte y perseverar. El que no persevera no triunfa”.¿Y qué haría Tini? “Quizás volvería a vivir algún show de ‘Violetta’, como haciendo que tengo 15, ¿entendés? O sea, como viviéndolo en el ahora. No sé cuál... Quizás el último o en el momento que venían mis mejores amigas, porque yo me hice mayor de edad en el proyecto y estábamos de gira y vinieron mis mejores amigas a visitarme, fue muy lindo, tuve el show y después salí con mis amigas. Creo que quizás volvería a vivir ese momento”.De los tres, ella es la que más cerca estará de lograrlo: el 24 de octubre llega “Futttura”, un festival en donde recorrerá las etapas de su carrera musical. Se trata de un show inmersivo que se realizará en Tecnópolis y que repasará las distintas etapas de su trayectoria, con tres escenarios y actividades pensadas para el público.Será una jornada donde Tini se reencontrará con su público, pero también con su historia, con su arte y consigo misma, como lo hace Miranda en la serie. “Va a ser súper complejo, hay una producción muy zarpada, un equipo trabajando día y noche dándolo todo. Estoy muy emocionada con lo que va a ser ‘Futttura’, con lo que significa para mí personalmente este desafío”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=CzLh1FN36Go"></oembed></figure>Filo.news: ¿Por qué recomendarían esta serie? ¿qué creen que la diferencia? ¿qué les gustaría que se lleve el público de la serie?MARTIN: Creo que es una serie que tiene carácter, vida propia, como una identidad muy definida que la hace diferente a otras cosas que he visto. ¿Ustedes qué agregarían?TINI: Yo vuelvo de vuelta a ese sentimiento que me dio la historia. Siento que sería una historia que a mí me interesaría mirar y ver cómo se desarrolla ese problema. Me parece muy loco ese final, es muy duro para el personaje. Me parece que lo que dijo Martín, cada personaje tiene mucho carácter, tiene una historia muy interesante también, con una problemática que se va desarrollando cada vez más. Tiene un poquito de todo lo que a mí me gusta, drama, acción, momentos de mucha tensión, momentos de amor también tiene, yo la miraría porque me gustan mucho esas emociones.JORGE: Mentiras, intriga, oscuridad.TINI: ¡Ay! ¡Ay! ¿Y qué más?JORGE: Sensualidad. Sexualidad. Rupturas, y todo termina…TINI: … en quebrantado.JORGE: En un profundo quebranto.“Quebranto” ya está disponible para disfrutar en Disney+.

Desde Filo.news viajamos a México para entrevistar a Tini Stoessel, Martín Barba y Jórge López, protagonistas de la nueva serie de Disney+. Cuáles fueron los principales desafíos, qué reflexiones les dejó este proyecto y más en esta nota.

Desde Filo.news viajamos a México para entrevistar a Tini Stoessel, Martín Barba y Jórge López, protagonistas de la nueva serie de Disney+. Cuáles fueron los principales desafíos, qué reflexiones les dejó este proyecto y más en esta nota.

Video | Mano a mano con Tini y el elenco de “Quebranto”

Gala &amp; Kiwi eran amigas inseparables en la secundaria. Con el tiempo se distanciaron, hasta que un día se vuelven a encontrar. Juntas en un monoambiente, entre tragos, música y baile, aparecen los recuerdos, las anécdotas, y también esa pregunta, tan incómoda como inevitable: “¿por qué dejamos de ser amigas?”.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/reel/DMQx-FfvMM5/"></oembed></figure>La ópera prima de Axel Cheb Terrab, protagonizada por Agustina Cabo (“Mamá se fue de viaje”), Carmen Fillol (““La declamación”), Bruno Coccia (en teatro “Mamma Mía! Argentina”) y Tomás Kirzner (“Buenos chicos”), se estrenó hace dos meses en cines: tuvo más de 50 funciones y 3000 espectadores, éxito que la mantiene aún en la cartelera del Gaumont.&nbsp;En el mes de la amistad, desde Filo.news dialogamos con las protagonistas para conocer el detrás de escena, qué reflexiones se llevaron de sus personajes, qué se viene a futuro y más.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=c9IV6EPdE-Q&amp;feature=youtu.be"></oembed></figure>Filo.news: ¿Cómo llegaron a participar de la película? ¿qué les llamó la atención del proyecto?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.1218917_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Carmen Fillol: Ambas somos muy amigas de Axel, él ya había filmado un videoclip conmigo y un cortometraje con Agus. Le gustaba cómo trabajábamos; a pesar de que no nos conocíamos con Agus, sentía que íbamos a tener buena química. En base a conocernos a nosotras empezó a escribir este proyecto Gala y Kiwi, ya sabiendo que yo iba a ser Gala y que ella iba a ser Kiwi. En mi caso cuando me lo envió dije, "Sí, tengo muchas ganas de protagonizar una peli que hable sobre amistad".¿Cuáles fueron los desafíos de grabar dentro de un monoambiente?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.1188983_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Agustina Cabo: Los desafíos de grabar en un monoambiente fueron muchos. En primer lugar, la espacialidad. Éramos un equipo reducido, pero la realidad es que el espacio era muy pequeño. Después también cosas que uno no se imagina, ¿no? Por ejemplo, filmamos todo de noche porque durante el día el ascensor del edificio se usaba y hacía ruido… varias complicaciones que también se sumaron a la cantidad de días de rodaje que teníamos, que eran ocho. Eso implicó muchos meses de ensayo para llegar listos, había poco tiempo, tenía que salir todo casi que en una toma.Decían que el director pensó los personajes específicamente para ustedes. ¿Cómo definirían a Gala y a Kiwi? ¿qué consideran que tienen en común cada una con sus personajes?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.417095_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Carmen: En mi caso encuentro cosas en común con el personaje de Gala porque es una persona muy extrovertida, esas que llegan a un lugar y llaman la atención. Pero después es bastante mala amiga, a diferencia mía que me gusta cuidar mis vínculos y ser buena amiga. Siento que es una persona que habla mucho de ella, muy egoísta tal vez y no escucha, ¿viste? en eso no me siento para nada parecida.Agustina: Con Kiwi siento que hay algo quizás de cierta timidez, que igual yo soy un poco más extrovertida, pero un poquito retraída. El teatro también… eso es muy gracioso, soy muy fanática, Kiwi también. Me encontré en eso y en las contradicciones de las amistades; para mí la peli es muy cruda, se agradece mucho sentir que las cosas no son tan blanco, negro, llanas. Creo que eso me reencuentra con Kiwi, la contradicción.La crisis de la amistad es un tema bastante tabú en la sociedad y en el cine. ¿De qué manera creen que retrata la amistad la película? especialmente la amistad femenina.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.1162321_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Agustina: Creo que la peli muestra… vuelvo a la contradicción, ¿no? todo lo que implica un vínculo de tanto amor, creo que hay algo del nivel de profundidad que trae un vínculo de amistad entre mujeres, y hablo de mujeres porque soy mujer y tengo amigas mujeres, que es muy difícil de comprender si no lo viviste, ¿viste? me parece que hay algo de eso que la película es muy fácil sentirte identificada. Y creo que que le hace mucho honor, ¿no? como a todo lo que implica un vínculo tan profundo, el dolor, el erotismo, la lealtad, en ese sentido para mí pivotea por muchos lados que son como muy fundantes.Carmen: Sí, y la peli remarca mucho la sensibilidad, la capacidad para charlar las cosas. Sí creo que es un tanto exagerada, pero porque el director quiso llevar la peli a un lugar un poco más teatral; no sé si en la vida real uno le diría todo eso a una amiga, pero de todas maneras creo que está muy bien tratada la amistad en esta peli, me gusta.¿De qué manera la película les hizo replantearse su propia forma de pensar la amistad?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.542900_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Agustina: Creo que filmar la película fue un aprendizaje de amistad enorme. Primero porque me llevé amigas nuevas, como Carmen. Segundo porque para mí trabajar de actriz tiene que ver también con permitir que la ficción y la realidad se mezclen, dejar que eso me afecte y me transforme, y siento que me re pasó. Fue muy intenso el rodaje de la película e implicó tanta complejidad a la hora de producirla, que hubo como una cercanía muy grande con todas las personas que trabajaron en el proyecto y también con la manera de entender los vínculos.Carmen: Coincido, y no solamente siento que pensamos en amistades que hemos tenido o que tenemos o que vamos a tener, sino que en mi caso también pensé mucho en familiares, en gente que conozco, ¿viste? no solamente con una amiga encontrás una Gala o una Kiwi, siento yo. Pero sí, he tenido bastantes Galas en el colegio, lamentablemente.Hay algo muy teatral en la película. Desde la forma de encarar la historia, dentro de una sola habitación; hasta que una de ellas sea escritora y quiera hacer una obra. ¿Cómo ven esta rama artística en la peli? ¿qué representa el teatro para ustedes?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.287943_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Carmen: Fue espectacular, porque tuvimos la oportunidad de hacer tomas de por ahí 20 minutos sin corte, que para nosotras que venimos más del palo del teatro es un placer, porque ahí lográs conectarte mucho más, lográs sentir mucho más porque no estás cortando cada 2 segundos, ¿viste? las emociones salen a flor de piel. Hace poco una entrevista nos preguntaron, "¿Pero cómo sienten todo…?” y no es que lo pensábamos, simplemente salía, porque lo venías trabajando y veníamos dialogando tanto sin cortes que llegaba un punto en el que sentías todas las cosas solas y era un placer.Agustina: Sí, en ese sentido yo creo que la dirección de Axel también con la dirección de actores de Luni Mazzeo es muy atinada. Como dice Carmen, es un trabajo muy distinto al que se suele hacer en audiovisual. Y eso ya es un montón, porque la cámara está muy cerca, los gestos son demasiado narrativos. Hubo algo de esta manera de filmar y de lo que construimos con Luni que fue muy teatral en su forma y a la vez súper audiovisual… El otro día que la volví a ver la peli, me di cuenta que había tomas como de 15 minutos, un lujo.Carmen: Sí, nos guiaron mucho. Tuvimos mucha ayuda.¿Se inspiraron en otras películas o series sobre la amistad? ¿cuáles tuvieron como referencias?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.102843_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Agustina: Durante el rodaje las refes fueron más bien cinematográficas de bueno, lo que trajo el director. Mucho “Persona”, “Secretos de un matrimonio”, “Sonata de otoño”, todas pelis de [Ingmar] Bergman, el director preferido de Axel. Pero no tuvimos muchas refes de amistades, fue mucho más explorar lo que había entre nosotras, quién era Gala y Kiwi por separado, qué era lo que habían transitado y poder pasar al cuerpo todo eso.En el mes de la amistad, ¿por qué recomendarían la película? ¿Cuál sería el plan de Gala y el plan de Kiwi para el día del amigo?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.217796_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Carmen: Para mí Gala se iría de joda a un boliche en Costanera con todas sus “amigas”. ¿Y Kiwi qué haría, amiga? ¿Iría al teatro?Agustina: Y Kiwi, para el día del amigo…Carmen: ¿Te puedo decir qué para mí?Agustina: Dale, a ver.Carmen: Organizaría como un amigo invisible con sus amigas, tomaría mucho vino, les leería cositas lindas a cada una, sería como un plan súper profundo y sentimental.Agustina: Para mí le da un poco de paja a eso. Para mí, Kiwi manda un mensajito.Carmen: Ah, ¿no hace nada?Agustina: Manda un mensajito y quizás te ve otro día que no es el día del amigo y te lleva un regalito.Carmen: Qué embole.Agustina: Sí, para mí Kiwi hace eso.Carmen: Recomendaríamos esta película para el Día del amigo porque trata la amistad de una manera muy profunda, muy sensible, muy fuerte. Creo que te lleva a recordar un montón de de momentos que seguramente tuviste en tu adolescencia o probablemente tengas.Agustina: Es una peli que es para ver con amigues, que vas a salir charlando después de la función. Si querés ver una peli de amistad con toda la crudeza, rareza y lo lindo de un vínculo, esta es tu peli.Después del estreno de la peli, ¿qué se viene a futuro? ¿Están trabajando en nuevos proyectos?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/22/GYK-FRAMES-ALTA_1.1.407974_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Agustina: En un mes más o menos estreno otra peli que se llama “El cinturón de Olivia”, que es una ópera prima también de Jeremías Magnaghi Rudy. Estoy muy contenta, va a ser en el Gaumont. Y también ando haciendo teatro.Carmen: Yo estoy haciendo teatro y dando muchas clases de actuación. Y bueno, escribiendo una obra. Por el momento todo un poco más teatral.<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/galaykiwi/?hl=es">“Gala &amp; Kiwi” está disponible para ver en el Cine Gaumont. Podés ver más información en sus redes sociales.</a>

Desde Filo.news hablamos con Agustina Cabo y Carmen Fillol, protagonistas de la película argentina que invita a pensar la amistad desde las contradicciones, la profundidad de los vínculos y la forma de entendernos a nosotros mismos a través del otro.

Desde Filo.news hablamos con Agustina Cabo y Carmen Fillol, protagonistas de la película argentina que invita a pensar la amistad desde las contradicciones, la profundidad de los vínculos y la forma de entendernos a nosotros mismos a través del otro.

Video | “Gala & Kiwi”: ¿por qué dejamos de ser amigas?

¿Qué pasaría si de repente te dijeran que todo lo que conociste dejará de existir? ¿cómo sería tu vida si el futuro ya estuviera predeterminado? ¿cómo construirías tu historia, tu identidad, tu libertad? ¿cómo hacerlo junto a tu gente, junto a tu comunidad, cómo salir adelante de forma colectiva en momentos donde solo prima el caos?&nbsp;<div class="raw-html-embed"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DMAqvKeN28q/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style=" background:#FFF; border:0; border-radius:3px; box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15); margin: 1px; max-width:540px; min-width:326px; padding:0; width:99.375%; width:-webkit-calc(100% - 2px); width:calc(100% - 2px);"><div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/reel/DMAqvKeN28q/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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margin-bottom:0; margin-top:8px; overflow:hidden; padding:8px 0 7px; text-align:center; text-overflow:ellipsis; white-space:nowrap;"><a href="https://www.instagram.com/reel/DMAqvKeN28q/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" color:#c9c8cd; font-family:Arial,sans-serif; font-size:14px; font-style:normal; font-weight:normal; line-height:17px; text-decoration:none;" target="_blank">Una publicación compartida de Filo.news (@filonewsok)</a></div></blockquote>
<script async="" src="//www.instagram.com/embed.js"></script></div>Esas son algunas de las preguntas que plantea “Foundation”, la serie de Apple TV+ que ya estrenó su tercera temporada. Basada en los libros de Isaac Asimov, creada por David S. Goyer y protagonizada por Jared Harris, Lee Pace, Lou Llobel, Pilou Asbæk, Terrence Mann, Cassian Bilton, Laura Birn, sigue la crónica de un grupo de exiliados que busca salvar a la humanidad y reconstruir la civilización.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=5bMCpnEi4k0"></oembed></figure>Los próximos episodios estarán ambientados 152 años después de los eventos de la segunda temporada, con La Fundación avanzada y el Imperio de la Dinastía Cleónica en ruinas. Ambas potencias galácticas deberán forjar una alianza precaria para enfrentar al señor de la guerra, cuyo objetivo es gobernar el universo mediante el uso de la fuerza física y militar, así como el control mental.&nbsp;Desde Filo.news dialogamos con los personajes que interpretan a Hari Seldon, Gaal Dornick, Brother Dawn, Brother Dusk, y The Mule para conocer más detalles sobre su trabajo en la serie, qué podemos esperar de esta partida de ajedrez intergaláctico y más.También te puede interesar: <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2025/01/22/video-or-hablamos-con-el-creador-y-el-elenco-de-severance">Video | Hablamos con el creador y el elenco de “Severance”</a>Filo.news: Isaac Asimov fue uno de los grandes maestros de la ciencia ficción. ¿Leyeron los libros? ¿qué piensan de él y la adaptación?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/17/Foundation_302_13995F_(1)9602_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Jared Harris: Sí, los leí y me gustaron. Como todo el mundo, pensé que era un gran reto convertirlos en una serie, estoy muy impresionado con la forma en que lo lograron. Hicieron un gran trabajo.Cassian Bilton: Leí los siete libros, sí, yo era una especie de nerd al respecto. Él es un escritor extraordinario, nos sentimos muy afortunados.Pilou Asbæk: Primero que nada, felicitaciones por la Copa del Mundo. Sé que fue hace unos años, pero aún así, como fanático del fútbol, nunca es tarde para felicitarte. He oído que es uno de los países más bellos e increíbles del mundo. Y Asimov sí, creo que es un escritor increíble. Cuando me ofrecieron hacer “Foundation” me puse a leer sus libros. Tengo que decir que había muchas páginas, así que fui directamente a las páginas de “The Mule” para entender cómo era el mundo. Y una cosa es la escritura, otra cosa es lo visual. Tengo que dar créditos y felicitar a David Goyer por crear una serie de televisión que es comprensible basada en los libros de Asimov, que son tan complejos y tan maravillosos.&nbsp;¿Qué te atrae de la ciencia ficción? ¿qué representa poder hablar de estos temas a través de ese género?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/17/Foundation_302_00301F7688_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Jared Harris: Soy fan de la ciencia ficción, me gusta la forma en que es capaz de tratar un montón de ideas bastante grandes.Lou Llobell: Va mucho más allá de nuestra realidad, te hace sentir que puedes tratar muchos temas sin que parezca un ataque directo a lo que somos o hacemos, parece algo muy lejano.&nbsp;Pilou Asbæk: Creo que la ciencia ficción es una forma estupenda de contar algo sobre el presente, porque está justo en el futuro. Y siempre me identifico más con la ciencia ficción que es reconocible y comprensible, donde puedo proyectarme en los personajes. Cuando se vuelve demasiado rara, demasiado surrealista, demasiado inconexa, no me gusta. Pero la ciencia ficción se siente como que sucederá mañana… Por ejemplo, una de mis películas favoritas es “Her” con Joaquin Phoenix, es fenomenal y habla de nuestro presente, es lo que estamos viviendo ahora mismo con la inteligencia artificial.&nbsp;¿Qué significa para vos la idea de identidad en la serie? ¿qué significa ser libre?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/17/Foundation_301_05959F7700_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Jared Harris: Algo que hablamos con los guionistas, es la idea de que si podés predecir el futuro, ¿significa necesariamente que la gente no tiene libre albedrío? Para mantener tus predicciones del futuro, vas a tener que empujar a las personas hacia las decisiones correctas. Y eso es lo que los psicohistoriadores están haciendo, están involucrados en todos los diferentes aspectos de la sociedad. Es más activo que simplemente sentarse y hacer predicciones inevitables sobre el comportamiento de las personas en el futuro.Lou Llobell: Creo que en esta temporada todo el mundo lucha por la libertad. Ves a todos los Cleons luchar un poco por eso, a Gail queriendo liberarse del control de The Mule &nbsp;sobre ella, ves a The Mule queriendo liberarse de su trauma, es sin duda un gran tema de la temporada.Cassian Bilton: Hay dos hilos conductores a lo largo de la serie, uno en términos de libertad: ¿tenemos libre albedrío o todo el universo está predeterminado por Harry Seldon y su Prime Radiant? ¿Podemos influir o está todo escrito en las estrellas? Y en cuanto a la identidad, creo que sólo podemos hablar de nuestros propios personajes, pero los Cleons siempre se preguntan quiénes son como individuos; al mismo tiempo, nuestra identidad está como ordenada por el Primer Clon y Demazel, y no podemos escapar de eso. Creo que la serie plantea algunas preguntas muy interesantes.<blockquote>"La serie plantea preguntas muy interesantes" - Cassian Bilton, Brother Dawn</blockquote>Terrence Mann: Sí, y a pesar de que estamos clonados y estamos viviendo en esta estructura de poder de un Imperio y en un sistema solar en una galaxia…. También se plantea la cuestión de ¿qué es la mortalidad? ¿Cómo puedo controlar mi propia individualidad cuando todo lo que soy es un clon? De repente, en la serie aparece la idea de que si puedo controlar mi propia mortalidad, hay libertad en vivir. Puede ser un día, un año, pero al menos es mi elección.Pilou Asbæk: La definición de libertad en “Foundation”... Tenés al Imperio controlando el mundo y tenés a esta pequeña unidad rebelde llamada “Foundation” que dice que necesitamos construir un mundo mejor para un mejor mañana. Del Imperio nació la “Fundación” y de la “Fundación” salió The Mule… No quiero spoilear, pero la libertad es la esencia de todo el show.La serie habla sobre las crisis sociales, desigualdad, ¿qué sentido tiene estrenar esta historia en la actualidad? ¿qué nos dice sobre nuestro presente?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/17/Foundation_301_01107F4049_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Lou Llobell: Es interesante porque tiene muchos paralelismos con las cosas por las que estamos pasando políticamente. Creo que hay que reflexionar mientras se ve esta serie, que es un comentario sobre el mundo actual.Cassian Bilton: Hay una horrible relación entre lo que se ve en esta temporada y lo que está pasando en el mundo ahora. Creo que refleja fuertemente el modo en que estamos viviendo, cuando uno ve las noticias, en muchos países hay personas que juegan con el poder de una forma que parece estar más impulsada por el ego que por el altruismo. Y creo que los Cleons son un buen ejemplo de ello, creo que están tan preocupados por sí mismos y por aferrarse al poder, y como consecuencia estalla la guerra. Lo que realmente necesitan los personajes y lo que necesita el mundo, es ablandarse y escuchar. La serie demuestra cuántos problemas surgen como consecuencia de no entablar una comunicación abierta y comprensiva. Creo que el mundo en el que vivimos ahora, tanto en la política como en el mundo real, nos invita a endurecernos, y creo que “Foundation” demuestra que ablandarse ante las dificultades es lo mejor que se puede hacer.¿Qué mensaje te gustaría que el público se lleve de la serie? ¿Por qué recomendarías la nueva temporada?<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/07/17/Foundation_303_F00001F_(1)4464_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Jared Harris: Ya sentamos las bases, sabemos quiénes son los personajes, cuáles son sus problemas. En esta temporada hay una especie de caída del Imperio Romano con el desmoronamiento del Imperio, ese conflicto del que hablaron durante mucho tiempo entre la Fundación y el Imperio está en el primer plano.Lou Llobell: La tercera temporada es más grande, mejor y más épica de lo que ha sido hasta ahora. Me encanta la serie, la gente que trabaja en ella, las historias que estamos contando. La dinámica de los diferentes personajes y sus relaciones es realmente interesante. Me gustaría que se lleven la idea de la esperanza, que puede impulsarte y motivarte, que es mucho más poderosa de lo que creo que pensamos a veces.Cassian Bilton: En esta temporada se desata la guerra, el caos.Terrence Mann: Todo se está desmoronando. Los cimientos del Imperio están empezando a desmoronarse bajo sus pies por la llegada de The Mule. Por lo tanto, todo el mundo está buscando sobrevivir.La nueva temporada de “Foundation” se puede disfrutar en Apple TV+.

El caos ya llegó y tiene nombre. Desde Filo.news dialogamos con Jared Harris, Lou Llobell, Terrence Mann, Cassian Bilton y Pilou Asbæk por el estreno de la tercera temporada de la serie.&nbsp;

El caos ya llegó y tiene nombre. Desde Filo.news dialogamos con Jared Harris, Lou Llobell, Terrence Mann, Cassian Bilton y Pilou Asbæk por el estreno de la tercera temporada de la serie.&nbsp;

Video | Hablamos con el elenco de “Foundation”

Enviaré un S.O.S. al mundo Espero que alguien reciba mi Mensaje en una botellaEsa canción de The Police le da el nombre a la película. El S.O.S, en realidad, lo envía Denise para sí misma, en un intento por cambiar algunas decisiones de su vida. El método es simple, y se lo enseñó su papá: si colocás un papel dentro de una botella de vino, inmediatamente se manda a tu pasado, específicamente al año que dice en la etiqueta. Ella tiene botellas con su nombre, una edición limitada que él le regaló, una pasión familiar que la motivó a ser sommelier. &nbsp;&nbsp;Mientras se prepara para participar en una competencia, decide advertir a la Denise de 10 años atrás sobre todo lo que le iba a pasar, lo que podría cambiar, lo que haría diferente. Aunque para su padre eso era un juego, para ella de repente se vuelve una realidad: logra viajar en el tiempo de verdad, lo que repercute en su presente y en la vida de todas las personas a su alrededor.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=LFSnNtC281g"></oembed></figure>Esta es la premisa de la película argentina dirigida por Gabriel Nesci ("Todos Contra Juan", "Días de Vinilo", "Animadores", "Casi Leyendas", "Los Knacks: Déjame en el Pasado") y protagonizada por Luisana Lopilato, Benjamín Vicuña, Benjamín Amadeo, Luciano Cáceres, Rafael Spregelburd, Marina Bellati, Valeria Lois, Belen Chavanne, con la participación especial de Luis Machín, Eduardo Blanco, Gabriel Corrado e Inés Estévez.“Mensaje en una botella” tuvo su paso por los cines y ya está disponible para disfrutar en Prime Video. Desde Filo.news viajamos a Mendoza para conocer todo el detrás de escena, presenciar en exclusiva el rodaje de algunas escenas y entrevistar a sus protagonistas.<h4>Luisana Lopilato: “Es el proyecto más ambicioso”</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DHxI5jAM9TJ/?img_index=2"></oembed></figure>Desde sus inicios en “Chiquitas”, “Rebelde Way” y “Casados con hijos”, vimos a Luciana crecer y animarse a diferentes desafíos y estilos de personajes, como lo hizo con “Pipa” o “Los que aman odian”, mientras trabaja con Lucía Puenzo en la historia de "Pepita la Pistolera". Aunque ya tiene experiencia en comedia, esta vez incursionó en la ciencia ficción, algo que dominó muy bien en el rodaje y en el resultado final.“Denise es una sommelier que encuentra de una manera mágica como enviar un mensaje al pasado para poder cambiar su presente. Ella en realidad lo que quiere cambiar es algo que le pasó con el padre”, dijo la actriz a este medio.“Creo que es el proyecto más ambicioso, porque es una peli que no está muy vista en Argentina, tiene un poco de todo”, agregó Lopilato sobre el film, que “no solo te va a hacer reír, sino que te va a dejar con ganas de llamar y compartir eso que nunca pensaste”, <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/p/DK2NPMDAICy/">según sumó en sus redes.</a><h4>Benjamín Vicuña: &nbsp;“La comedia transmite valores, sentimientos”</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DKsi49ZoT1M/?hl=es"></oembed></figure>Benjamín se siente muy cómodo en la comedia. De hecho, mientras estrena esta película, también presentó el adelanto de “Papá x Dos”, dirigida por Hernán Guerschuny, que protagonizará junto a Celeste Cid y que llegará muy pronto a los cines. ¿Qué es lo que más le gusta del género?“Depende… por ejemplo en el teatro es la risa del público, el feedback; sentir que con la comedia hacés bien, que muchas veces hay gente que se puede sanar”, dijo el actor chileno a Filo.news.En “Mensaje en una botella”, Vicuña interpreta a David, un cocinero fascinado por la cultura maya, que tiene una relación con Denise. “Creo que la comedia no es un género menor, transmite valores, sentimientos, y en lo particular me gusta divertirme”, añadió a este medio.<h4>Luciano Cáceres: “Los viajes en el tiempo me apasionan”</h4><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/19/ca1587_.jpg"><figcaption>&nbsp;</figcaption></figure>Cáceres tiene una amplia trayectoria en cine, televisión y teatro; de hecho, actualmente protagoniza la obra “Muerde”, con dirección de Francisco Lumerman. En “Mensaje en una botella” interpreta a Leandro Beccar, otro de los intereses amorosos de la protagonista.“Es algo muy gigante”, dijo el actor sobre el film, con las montañas de fondo en el rodaje en Mendoza. “Tiene lugares muy emocionales, la vinculación que ella tiene con su tierra, esta profesión tan particular”, continuó en diálogo con este medio.“Más allá del mundo del vino, a mí me gusta mucho la idea de viajar en el tiempo; es algo que me apasiona, algo clásico del cine, es muy lindo eso -siguió Cáceres y cerró- de golpe una misma situación, según la modificación que hubo en la historia, se vuelve distinta”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/19/505784196_18084182311819453_1566769255010194516_n1227_.jpg"></figure>“Mensaje en una Botella” está disponible para ver en Prime Video.

Desde Filo.news viajamos a Mendoza para presenciar en exclusiva el rodaje de algunas escenas y entrevistar a los protagonistas. Te lo contamos todo en esta nota.

Desde Filo.news viajamos a Mendoza para presenciar en exclusiva el rodaje de algunas escenas y entrevistar a los protagonistas. Te lo contamos todo en esta nota.

“Mensaje en una botella”: hablamos con el elenco de la película argentina

Martín, Federico y Silvina están sentados en el auto uno al lado del otro. Sus papás, Rudi y Silvia, los llevan a pasar las vacaciones de invierno a la quinta familiar. Ellos ríen, juegan, mientras el sol los ilumina por la ventana. Los tres dan inicio a la película, y a su vez, después le dan un cierre. La escena cambió, y ellos también.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=xWf1zx-oyLU&amp;feature=youtu.be"></oembed></figure>Silvina Schnicer presentó en cines su nueva película, “La Quinta”, que tuvo su paso por el Festival de Mar del Plata y de Marrakech. Se trata de su tercer proyecto, luego de “Tigre” (2017) y “Carajita” (2021), protagonizado por Valentín Salaverry, Milo Lis, Emma Cetrangolo, Cecilia Rainero, Sebastián Arzeno, Juliana Muras, Dario Levy, Alejandro Gigena.“Cuando uno hace una película argentina, enfrentarse al público argentino es lo que uno más espera, ¿no? me moviliza un montón”, aseguró la cineasta en diálogo con este medio y sumó: “Las funciones que tuvimos fueron increíbles, teníamos la sala llena, la gente se quedaba a charlar. Estoy muy contenta”.Desde Filo.news dialogamos con la directora para conocer cómo nació la historia, los debates que plantea respecto a las infancias y crianzas, cómo vivió el estreno y más.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/11/LQ_STILL_061399_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Filo.news: ¿Cómo surgió la idea de la película? ¿Cuál fue tu inspiración y por qué hacerla ahora?Silvina: La historia de 'La Quinta' está basada en parte de mi historia familiar. Nosotros pasábamos las vacaciones con mi familia en una quinta en las afueras de Buenos Aires, pasábamos mucho tiempo ahí. Guardo muchos recuerdos, secuencias aisladas, como pequeños fueguitos, y tomé esas imágenes que tenía como puntos de inspiración para hacer escenas. No tenía la historia, tenía que construirla, pero los personajes están inspirados en mi familia. Como en ese momento yo era una niña de 7 años o menos, creo que eso fue lo que condicionó una vez que me puse a escribir la historia. En realidad sí, la hice ahora, pero la escribí antes de mis dos pelis anteriores. O sea, el guion tiene más de 10 años.&nbsp;La peli retrata la pérdida de la inocencia de los niños, que se encuentran rodeados de violencia y que incluso acecha la idea de la muerte. ¿Creés que esto refleja una problemática social y cultural a la que se enfrentan las infancias en la actualidad?&nbsp;Yo ahí replantearía un poco. No creo que los niños y niñas sean inocentes, que esa sea su identidad, sino que para mí viven el mundo a través de una inocencia, es como su canal para vivirlo. Creo que los niños tienen una capacidad y una conciencia del mundo abismal, altísima, enorme, que son capaces de ver el mundo sin condicionamientos en un punto y creo que les da mucha libertad para enfrentar quizás situaciones o miedos. Eso por un lado, y por otro, sobre el tema de la actualidad… traté que la peli no se ubique en algún período o un tiempo específico, neutralizar la época, pero justamente porque intenté que los temas que toca la película para mí trasciendan un poco una cuestión temporal.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/11/LQ_STILL_03_(1)5253_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Qué interesante esa distinción que hacés sobre la inocencia de los niños, que no esté automáticamente ligada a la ingenuidad, ¿no?Exactamente. Creo que ahí dijiste otra palabra clave que está buenísima, 'ingenuidad', sí.¿Pero creés que la película habla de la violencia a la que viven expuestos los niños, más allá de la temporalidad?Creo que eso pasó por algo más subjetivo. Como te decía, escribí el guión hace mucho tiempo, y yo en el medio fui mamá, tengo dos niñas y en ese tiempo cuando tuve que ir reescribiendo, reapropiándome de la historia. La crianza que yo tuve es muy distinta a la que yo puedo estar quizás ejerciendo con mis hijas, es algo que se va repensando a medida que va pasando el tiempo. Está conectado también a esa frase de ‘qué mundo le vamos a dejar a nuestros chicos’, ¿no? Para mí es un temón, yo por lo menos no lo vivo con ninguna certeza, solo tengo dudas al respecto. Y creo que hay algo de eso también que plantea la película.Eso te iba a preguntar, ¿qué desafíos creés que enfrentan los padres en las crianzas? Y en la película especialmente, donde las tensiones son invisibles, no se ve nada explícito.La película recorta solo un aspecto diminuto, porque es enorme el tema. Se centra más en el punto frágil de la incomunicación, pero también en cómo se construyen en el mundo de los niños y el mundo de los adultos de manera también independiente. Los niños tienen un mundo aparte, son vidas autónomas, tienen su intimidad y tienen su complicidad. &nbsp;En especial acá hablo de la hermandad, ¿no? Y a veces eso está por arriba de la mirada de los padres. La película no muestra nada explícito, yo no me quería centrar en el hecho porque no es eso lo que me interesa, porque entraría lo que tiene que ver con la moral y con la ética. Lo que intenté es no escaparme de los personajes con los que yo estaba interactuando, ir al corazón de ellos, a sus conflictos. Es loco que me digas esto... porque siempre como intento cuando escribo, esto ya me ha pasado en en las pelis anteriores y me está pasando la que estoy escribiendo ahora también, elijo una locación y me quedo adentro de la locación y obligo a mis personajes a que se queden, porque en un punto me obliga a mí también a a ir a fondo con ellos y a no escaparme.De hecho mientras la veía, recordaba “Adolescencia”, la reciente serie de Netflix. En su caso ellos salen de la casa, van a la escuela, a la estación de policía, por ejemplo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=QFxl7FFv6lM"></oembed></figure>“Adolescencia” es una bestialidad, a mí me parece increíble. Ellos justamente se anclan totalmente en una actualidad, tan iluminadamente, tan críticamente, tan afiladamente. Escuché a los guionistas decir que lo que está pasando con las adolescencias de hoy, digamos, es que se enfrentan a un mundo que es abstracto para los padres, ¿no? Que el bullying ya no se puede materializar, ya no tiene una cara. Y que le pasa lo mismo a las instituciones, lidian con algo que en realidad es digital, que no pueden ver, que no pueden acceder. Ellos plantean como hipótesis que el responsable de lo que está pasando hoy ya supera al papá y a la mamá. O sea, que la crianza está totalmente relacionada hoy con lo social. Entonces, entiendo que hayan salido a la estación de policía, al colegio, bueno, enriquece muchísimo la hipótesis.¿Encontrás puntos similares entre la serie y la película? ¿cuáles y por qué?Si me arriesgo a decir un paralelismo, yo creo que ambas trabajan de alguna manera la seguridad. ¿Qué es la seguridad? ¿Dónde estamos seguros? Y está totalmente relacionado con la crianza al mismo tiempo, la protección, la sobreprotección, y dónde está el límite y hasta dónde podemos acceder, hasta dónde no podemos acceder, ¿no? Y creo que ese es el punto frágil, en ese sentido sí que puede haber un paralelismo. Yo creo que 'La quinta' lo trata de una manera y 'Adolescencia' lo trata de otra, pero ambas están hablando de bueno, ¿qué seguro? ¿qué no es seguro? Creo que en 'La Quinta' es un relato más intimista, se mete como dentro de una familia. En el caso de “Adolescencia” me parece que tiene que ver con la idea de que ya estamos seguros, aunque mi hijo esté encerrado dentro de una habitación.&nbsp;<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/11/LQ_STILL_02_(1)2960_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>¿Tuviste la oportunidad de ver la película con tus hijas? ¿A quiénes te gustaría que llegue la historia?Bueno, es una gran pregunta. Siempre me cuesta responder. Tuve la posibilidad de interactuar mucho con el público, porque armamos unas mesas de debate; sentí que la respuesta era muy activa, que querían saber, preguntar, entender, que se quedaban pensando. Tengo amigos y amigas con hijos, que han compartido la película con ellos. Mis propios sobrinos fueron al cine… esto no se lo dije a nadie, pero ellos también decían 'a mí me hubiese encantado tener una infancia así, en donde yo pueda explorar de esa manera y con esa libertad'... ellos decían de eso de 'enfrentarse a', una libertad plena frente a ese 'enfrentarse a'. Yo tengo una hija de siete y una de dos. La de siete aparece en la peli, está más chiquita, tiene cinco, aparece en el cumpleaños de la nena. Y la empecé a ver con ella, pero cuando entraron a la casa abandonada le dio miedo, así que nos tuvimos que ir; pero como le dio miedo surgieron un montón de preguntas, ‘¿por qué haces películas de terror, mamá? ¿Por qué una película tan oscura?’ O sea, como entró por otro lado el debate.¿Cómo sentís que te atravesó la película, desde tu propia experiencia con la maternidad?Sí, estoy convencida. No te sé decir conscientemente o precisamente cómo, pero estoy convencida que yo no soy la misma que la que era antes de ser mamá que la que soy hoy. El hecho de ser madre me dio herramientas, una seguridad que quizá de otra manera yo por lo menos, no hubiese tenido. Con esto no quiero decir que hay que ser madre para dirigir niños, nunca diría algo como eso, pero en mi caso, sí que sí que estoy segura que usé algo de eso; también las mamás de los niños eran totalmente plenamente parte del equipo, me apoyé un montón en ellas, sin ellas no lo podría haber hecho.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/06/11/LQ_STILL_051132_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Para terminar, ¿por qué la recomendarías?Bueno es una pregunta difícil. Hoy con el diario del lunes, después de las proyecciones, una de las razones que puedo decir, es que creo que es una peli que moviliza, que es empática, que la gente se reconoce en ella, reconoce su propia historia. Termina movilizando recuerdos, lazos familiares, ciertos silencios o secretos. Creo que es una experiencia ir a verla, digamos. He visto que ha pasado dentro de la sala, que la gente no se levanta, quiere debatir y quiere hablar de lo que vio, creo que eso que genera es muy rico. Arranca como un drama familiar, que parece ser como un drama un poco cotidiano, pero después a medida que va avanzando la historia se vuelve un poco más de suspenso, más thriller, engancha a verla.&nbsp;

Silvina Schnicer | Foto: Gentileza prensa

Se trata de un drama familiar construido a partir de recuerdos personales y de su propia experiencia con la maternidad. Desde Filo.news hablamos con ella sobre los debates que plantea la peli respecto a las infancias y crianzas.

Se trata de un drama familiar construido a partir de recuerdos personales y de su propia experiencia con la maternidad. Desde Filo.news hablamos con ella sobre los debates que plantea la peli respecto a las infancias y crianzas.

Silvina Schnicer estrena “La Quinta”: “Es una película que moviliza” 

“Si te encontrás acá, es porque elegiste volver”, una frase que Mark Scout le repite a su compañera y se recuerda a sí mismo. Ellos mismos eligieron, aunque en realidad no. “¿Tengo familia?”, le pregunta Helly, a lo que él responde: “Nunca lo sabrás”. Es que sí tiene una vida, pero en realidad no. Por lo menos, no la versión de sí misma que está encerrada en el trabajo, que debe cumplir con las tareas asignadas, que no debe tener emociones ni sentimientos que la distraigan. Lo que sería un robot, digamos, que ellos se encargaron de configurar.Suena confuso, lo sé. Vamos de a poco: estamos hablando de “Severance”, la serie de Apple TV+ que estrenó su segunda temporada. Mark lidera un equipo en Lumon Industries, cuyos empleados se han sometido a un procedimiento que separa quirúrgicamente sus recuerdos entre su vida laboral (“Innie”) y personal (“Outie”).Este experimento, sin embargo, no sale como lo planearon. Mark se encuentra en el centro de un misterio que lo obligará a confrontar la verdadera naturaleza de su trabajo… y de sí mismo. Los capítulos se irán estrenando semanalmente en la plataforma de streaming hasta el 21 de marzo, según se informó en un comunicado de prensa.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=1eAI5J8IAL0&amp;t=10s"></oembed></figure>“Severance” fue creada por Dan Erickson y dirigida por Ben Stiller, Uta Bresiewitz, Sam Donovan y Jessica Lee Gagné. Es una historia de ciencia ficción que nos presenta un escenario futurista y distópico; a través del drama, la comedia y el romance, invita a reflexionar sobre la cultura corporativa en la sociedad capitalista y la constante presión por la productividad y alienación laboral; habla sobre atravesar duelos, la búsqueda de identidad, la importancia de la amistad, entre otros temas.Desde Filo.news dialogamos con Erickson, Stiller y también con el elenco: Adam Scott, Britt Lower, John Turturro, Zach Cherry, Patricia Arquette, Tramell Tillman y Christopher Walken, quienes revelaron detalles de los nuevos episodios, contaron anécdotas, reflexionaron sobre la serie y más.<h4>“Twilight Zone”, “The Office”: las influencias detrás de “Severance”</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DFDQANQOIts/"></oembed></figure>Para Scott, la serie simboliza una especie de meta, un sueño que anhelaba durante toda su carrera. “He pasado los últimos 20 años trabajando en mi camino hacia esto”, asegura en diálogo con este medio y suma: “Todo lo que me ha llevado a esto. Cuando leí por primera vez el guión e incluso escuché por primera vez la idea de ‘Severance’, lo primero que me vino a la mente fue si realmente podría interpretar este papel. He estado ganando mi camino hacia una oportunidad como esta, tener un papel tan multifacético y tan especial”.“Parks and Recreation”, uno de los trabajos que llevó a la fama al actor, fue de hecho una de las grandes inspiraciones para crear esta historia junto a “The Office”, según confesó el creador: “Soy un gran fan de las películas que cuestionan la realidad, como ‘Matrix’ y ‘Dark City’. También de las clásicas comedias de espacios laborales o de oficinas, es una mezcla de todo eso”; y si de vidas paralelas se trata, también destacó “La sustancia”, el film de Coralie Fargeat que se estrenó este año: “Trata algunas de las mismas ideas sobre la dualidad e identidad, pero lo hace a su manera. Me encantó, fue una de mis favoritas”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0201042374_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>A este combo hay que sumarle las influencias que traía cada uno, las miradas personales que fusionaron en la construcción de la narrativa y lo visual: “El guión era único y original, me recordaba a ese tipo de series y películas que vi durante mi infancia, algunos de esos thrillers de los años ‘70 como ‘The Parallax View’, ‘Twilight Zone’”, dijo Stiller, a lo que Scott añadió: “Otra para mí fue 'Defending Your Life', me encanta cómo Albert Brooks construyó todo este mundo en torno a la idea de la vida después de la muerte, lidiando con preocupaciones muy reales, poner esas preocupaciones en este nuevo contexto y este nuevo mundo”.Así como llevaron sus referencias, también compartieron sus experiencias, ya sea en drama, ciencia ficción, comedia, géneros que ya exploraron y que se animaron a combinar en “Severance”: “Creo que todo se influencia con todo. El humor creo que es una parte muy importante, es por eso que siento que Adam era tan adecuado para la serie es que entiende cómo hacer algo real y todo tan divertido”, opinó el director.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0201058723_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Si un buen guion convoca, ¿qué mejor que hacerlo con amigos? Ese fue el caso de Christopher Walken (“El francotirador”), quien destacó que “fue un buen papel”: “Y fue trabajar con Ben, a quien conozco desde que era muy joven. Y yo era amigo de sus padres. Trabajar con John Turturro… al que conozco desde hace 40 años”, recordó en diálogo con este medio, donde confesó que no le gustaría dirigir: “Alguien le preguntó a Woody Allen cómo le gustaría seguir viviendo en las películas, y él respondió que preferiría seguir viviendo en su apartamento. Sólo espero durar tanto como pueda”, comentó respecto a su futuro como actor.Para Patricia Arquette (“Boyhood”) fue motivo de reencuentro con Stiller, con quien compartió elenco en “Escape at dannemora”: “Me envió el piloto y pensé ¿qué demonios es esto? -recordó entre risas y sumó- yo sólo tenía un millón de preguntas. Y cada respuesta que me daba me llevaba a 20 preguntas más. Realmente confío en él”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0202046730_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Es que la química que existe en la pantalla también existe en la vida real. “Yo soy amigo de Brit”, dijo Turturro; “Y yo de Zack”, acotó Britt Lower; “Y yo de Jhon”, aportó Zach Cherry, cuando les preguntamos por su participación en el proyecto. “Hicimos una especie de trato. Si contratas a uno, contratas a todos. Así es como lo hicimos. Somos los tres mosqueteros. Ah sí, y el guion por supuesto”, comentaron entre risas.Tramell Tillman coincidió y contó: “Me encantó cómo estaba escrito, así que quería ser parte de este proyecto, de alguna manera. Recuerdo que me presenté a la audición para el papel de Milchick, creo que eran unas 200 personas más que se presentaron y… bueno, el resto es historia”.<h4>"The You You Are"</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DE7mBgiOw2Y/"></oembed></figure>Ese es el nombre del libro, ese texto tan familiar para Mark y a su vez tan desconocido. A través de la ironía y la sátira, la literatura se volvió la puerta para descubrir sus mundos internos. “Queríamos escribir algo que, sacado de contexto, pudiera inspirar a la gente de manera creíble y que tuviera ideas debajo de esa fanfarronería que tal vez tuvieran un valor real para ellos”, decía el creador a Polygon.Mientras para unos es un libro, para otros es el arte. La conexión entre Irving y Burt nació de una pintura, que llevó a un intercambio de miradas, que derivó más adelante en amor. Pequeños recovecos de felicidad en un trabajo tan pulcro, estructurado. Mientras arriba está el mundo como lo conocemos, allá abajo -con la metáfora literal del ascensor- la vida también se despliega a su manera.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0201077496_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Mark, Irving, Helly y Dylan trabajan en el área de refinamiento de macrodatos (“MDR”), encargada de filtrar y eliminar las “emociones” en los números, tarea tan poco definida para ellos como para nosotros como espectadores. Pero ojo, si se portan bien hay waffles para todos y música solo por unos minutos y ya. ¿Se puede vivir así? Si las personas somos memoria, somos historia, ¿cuáles son los riesgos de olvidar? En el caso puntual de la serie, ¿quiénes están buscando que ellos olviden?“Como mucha gente, yo tenía un trabajo que no me gustaba y un día iba al trabajo y me encontré deseando poder adelantarme hasta el final del día y que termine de una vez. Creo que es algo que mucha gente siente, y al mismo tiempo es algo oscuro para verte deseando eso, porque ostensiblemente deberíamos querer experimentar toda nuestra vida. Así surgió todo”, explicó Erickson.Lo que comenzó como una idea, se transformó en<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://tv.apple.com/es/collection/lo-mas-popular-ahora-mismo/uts.col.ChartsShows.tvs.sbd.4000"> una de las series más vistas de Apple TV+</a>. “Creo que la pandemia realmente cambió el contexto de la serie de una manera realmente interesante que no podríamos haber pensado. A menudo en el trabajo se espera que seamos un engranaje de una máquina. Y creo que ‘Severance’ muestra eso de forma literal. Pero después de la pandemia, hay un montón de gente que trabaja desde casa o desde Zoom, y se pierde el equilibrio entre la vida laboral y personal, el trabajo está afectando sus vidas cada vez más”, amplió el creador.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0202038165_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>“Creo que los espectadores son nuestros socios, completan la historia con sus cosas personales, lo que ponen en su trabajo y lo que llevan a su casa. Todos tenemos que separarnos, todos estamos interpretando papeles de nosotros mismos”, comentó Turturro. Para Lower, es importante abrir todos estos debates: “La serie está haciendo un montón de preguntas para el público para decidir por sí mismos. ¿Vale la pena anestesiarse ante las experiencias difíciles de la vida? Ya sea el dolor o el trabajo duro o simplemente una parte de vos mismo con la que estás en desacuerdo. O si estás atravesando esos momentos difíciles, ¿es eso lo que te define? Creo que esto es parte de la pregunta central del show para mí”.<h4>“Severance” y la doble vida como actores y personajes</h4><figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0201095433_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Hay diferentes componentes que hacen única a esta serie, como lo fuimos analizando en esta nota. Uno de ellos es que los protagonistas interpretan personajes que asumen una nueva identidad, lo cual, en definitiva, es el trabajo que realizan frente a la pantalla. ¿Cómo se preparan para sus roles? ¿qué los desafió de este proyecto en particular?“Hay una meta cualidad de ser actor en ‘Severance’. Incluso los pasillos del set son similares a los pasillos de la serie”. Otra divertida anécdota que recuerdan, es el momento en que apareció una gallina en el rodaje: “Aunque tenía algo de sentido en la trama, en realidad estaba sucediendo en la vida real, estaba en el vecindario y entró al estudio, fue un momento único”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0203027811_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>“Siempre pienso un poco acerca de la conexión con mi propia vida. De alguna manera hay un montón de cosas en común en las luchas humanas. ¿Cómo inclinamos las cosas a nuestra manera específica? ¿Cuál es la historia que nos precede? Para Harmony, ella tiene una relación de toda la vida con Lumen, la ideología y principios de Kier y ella ha moldeado su vida en torno a eso, y tratando de obtener la validación y ser vista por la Corporación, lo que es bastante imposible”, indicó Arquette sobre su personaje y continuó: “He estado interpretando mujeres que son tal vez cuestionables, estoy tratando de entenderlas, ¿cómo te vuelves así? ¿Qué te hace responder así?”.“Me encuentro descubriendo las similitudes de mí mismo y mi personaje -relata Tillman y continúa-, era vital para darle vida de verdad, y hacerlo más tridimensional. Y como está escrito de una forma tan misteriosa, amenazadora, cálida y encantadora, se convirtió en espacio de juego para mí”. Cherry tiene una opinión similar: “Aunque yo soy diferente de los personajes que interpreto, compartimos muchas cosas”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0201013668_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Turturro revela que en cada trabajo prepara una lista de todas las cosas que tiene en común y las cosas que no tiene en común con su personaje: “Siempre es una especie de experimento, una especie de monstruo de Frankenstein que vas reconstruyendo”, aseguró. Walken también explicó cómo se preparó: “Me paré en mi cocina con el guión, y una y otra vez, y sólo traté de absorberlo. Sentí que había un tipo diferente de parte para mí. Es un buen hombre, no le hace daño a nadie. También es una historia de amor, y no suelo interpretar papeles románticos”.Respecto a esta conexión entre actor-personaje, Cherry recordó: “Con Brit y John fuimos a un partido de baloncesto juntos, después de grabar la primera temporada. Hablamos de la serie, de nuestros personajes fuera de la oficina y de vernos a nosotros mismos en otras circunstancias fuera de las comunes. Fue un momento muy agradable”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/01/22/Severance_Photo_0203011510_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Filo.news: ¿Por qué recomendarían la segunda temporada de la serie? Si esta separación existiera en la vida real, ¿cómo se lo imaginan?Christopher: “Severance” significa no saber qué hacen los demás, es tener una vida cuando vas a trabajar y otra vida cuando estás en casa, y eso sería muy interesante, pero creo que también sería bastante aterrador.Ben y Adam: Trabajamos en esta temporada durante dos años, estamos tan cansados de hacerla, por favor, ¡mírenla! *risas*. Hablando en serio, queríamos llevar las cosas un poco más lejos, experimentar un poco y seguir empujando los límites de la serie.Tramell: Espero que los fans disfruten de verdad. En la segunda profundizamos mucho más en las historias de los innies, conocemos más información sobre ellos.Patricia: Y en el camino hay un montón de micro revelaciones de diferentes personajes y lo que están lidiando, con lo que están descubriendo acerca de sí mismos, con lo que no quieren comprometerse, con lo que sí quieren comprometerse.Dan: Creo que es más oscura, más salvaje, un poco aterradora, un poco alucinante y un poco desgarradora. Si te gusta lo que hicimos en la primera, creo que te va a gustar esta, espero que aún más.&nbsp;

Preparen sus trajes porque volvemos a Lumon Industries. Ya se estrenó la segunda temporada de la serie de Apple TV+, que promete ser “más oscura, un poco alucinante y un poco desgarradora”, según definió el elenco a Filo.news. En esta nota todas las declaraciones.&nbsp;

Preparen sus trajes porque volvemos a Lumon Industries. Ya se estrenó la segunda temporada de la serie de Apple TV+, que promete ser “más oscura, un poco alucinante y un poco desgarradora”, según definió el elenco a Filo.news. En esta nota todas las declaraciones.&nbsp;

Video | Hablamos con el creador y el elenco de “Severance”

- ¡Sonría!A pesar de la aparente amorosa señal, Seong Gi-hun no sonríe. Sabe que de amorosa no tiene nada, claro. Aunque su chaqueta lleve la misma etiqueta, “jugador 456”, no es el mismo que ingresó en la primera edición de la competencia, donde vio morir a sus amigos, donde su vida estuvo en manos del azar, donde se despidió de su inocencia para siempre. Él viene a jugar, pero esta vez, con la intuición lúdica bien activa y con los puños llenos de estrategias.Con el premio que recibió, Gi‑hun financia su investigación y comienza por lo más obvio: buscar a un hombre con traje elegante que juega ddakji en el metro. Pero cuando sus esfuerzos por fin dan resultados, el camino para acabar con la organización resulta ser más mortal de lo que imaginaba... para ponerle punto final al juego, tendrá que volver a ingresar.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Oh_B9Ejvn-8&amp;t=4s"></oembed></figure>Netflix estrenó la segunda temporada de “El juego del calamar”, la exitosa y premiada serie surcoreana. Cuando decimos ‘exitosa’, nos referimos a la serie de no habla inglesa más vista de toda la historia de la plataforma, seguida de “La casa de papel” y “Lupin”. Cuando decimos ‘premiada’, nos referimos a los numerosos reconocimientos que tuvo en los premios Emmy, y a su nominación en los Golden Globes que se celebrarán en enero de 2025.Creada, escrita y dirigida por Hwang Dong-hyeok, completan el elenco Wi Ha-joon, Lee Seo-hwan, Lee Byung-hun, &nbsp;Gong Yoo; esta temporada suma figuras como Jo Yu-ri, Yim Si-wan, Kang Ae-sim y Yang Dong-geun. Desde Filo.news dialogamos con el creador y los protagonistas de la historia, para conocer el detrás de escena y reflexionar sobre el mensaje social y político que transmite a través de los juegos.<h4>Así comenzó todo</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DEGMkPcvXh4/"></oembed></figure>456 jugadores se enfrentan entre sí. Cada uno vale 100 millones de wones coreanos; el total acumulado para el ganador será entonces de 45.600 millones de wones. “Estamos aquí para darles una oportunidad”, definen los misteriosos uniformados de rojo y enmascarados, con armas bajo el brazo. Frente a la ilusión de los deudores, las reglas: nadie puede dejar de jugar, y si alguien se niega, será eliminado; y el juego puede terminar si la mayoría lo acepta.Eliminar: matar. Alguien gana si alguien muere.“En 2008, 2009 yo estaba bajo mucho estrés financiero, tenía deudas, no estaba ganando dinero. Entonces me puse a pensar, ¿qué pasaría si hubiera un juego en el que sea bueno, que podría ganar y llevarme un gran premio en efectivo? Si hubiera algo así, me encantaría ser un participante. Todo empezó con esa idea y la convertí en una serie”, recordó el creador, Hwang Dong-hyuk, en una entrevista exclusiva con Filo.news.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2024/12/30/Squidgame_Unit_203_N005716_(1)1708_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Mientras muchos sufren, unos pocos se divierten: “El juego del calamar” evidencia la desigualdad social y la brecha económica que crece año tras año, no solo en Corea del Sur. A través de la ingenuidad de los juegos infantiles y del anhelo por “ganar”, la serie pone en cuestión la integridad, el compañerismo, la empatía, la humanidad que se diluye en la voraz crueldad en la que estamos inmersos.“Creo que la sociedad capitalista está perdiendo el rumbo, y se está volviendo cada vez más injusta. Creé la serie como una alegoría a la realidad actual en la que vivimos. No quise dar ninguna respuesta o camino”, reflexionó el creador. De hecho, eso fue lo que cautivó a la actriz Kang Ae-shim (Jang Geum-ja) a participar del proyecto: “Cuando vi los capítulos de la primera temporada, recuerdo que eran tan violentos que al principio no quise seguir viéndolos… pero cuanto más me adentraba en la historia, más me daba cuenta de lo que se trataba”, contó.“Creo que ‘El juego del calamar’ invita a pensar que aunque la gente tenga opiniones diferentes, pueden ser amigos, familia, amantes. Hay gente con tantas historias diferentes, tantas razones diferentes, pero creo que la sociedad se aísla en todo ‘O’ o ‘X’, está bien o está mal”, opinó Lee Seo-hwan (Jung-Bae) y sumó: “Espero que la serie ayude a mostrar esto que está ocurriendo y que no debería estar ocurriendo”.<blockquote>“La serie es una alegoría a la realidad actual en la que vivimos” - Hwang Dong-hyuk, creador y director.</blockquote>La segunda temporada innova no sólo con los juegos sino también con las reglas: después de cada prueba, los jugadores pueden elegir si quieren continuar o no en la competencia; como siempre, se respeta lo que elija la mayoría. “Creo que la situación social actual de Corea del Sur paradójicamente nos muestra cuán importante es la votación”, analiza Hwang Dong-hyuk, con respecto a<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2024/12/14/el-parlamento-de-corea-del-sur-voto-por-destituir-al-presidente-yoon-suk-yeol"> la crisis política que atraviesa el país asiático</a> tras la decisión parlamentaria de destituir al presidente Yoon Suk Yeol.“En cierto modo, creo que el momento del estreno no podría ser mejor -agregó el creador y sumó- ya que nos permitirá comparar el sistema de votación dentro y fuera de la serie, y creo que nos dará la oportunidad de una vez más, tal vez reflexionar sobre nuestra sociedad actual y el mundo tal como lo conocemos”.<h4>¿Jugamos un juego?</h4><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/DENvgrfPAqB/"></oembed></figure>'Jugaremos, muévete luz verde’; esa canción -aunque originalmente significa “la flor nacional de Corea del Sur floreció”-, se volvió tendencia en eventos, videos, redes sociales. Miles de niños y niñas en todo el mundo imitando a la famosa muñeca, recreando los juegos y usando los disfraces tan icónicos. Ese impacto cultural también cambió la vida de los propios protagonistas.“Fue el proyecto que me dio a conocer con la audiencia global”, reconoció Lee Jung-jae -a quien vimos este año en The Acolyte- y agregó: “Fue una muy buena oportunidad para mí y estoy muy feliz de estar de vuelta con ustedes. Sé que la primera temporada gustó a mucha gente en todo el mundo y por eso sabíamos que teníamos que crear una segunda. Es nuestra forma de devolverles el cariño. Así que estoy muy contento de volver”.Lee Byung-hun también retoma su papel de enmascarado y misterioso líder. “El director y yo trabajamos en su película ‘La Fortaleza’. Él me pidió que hiciera un cameo en la serie, y por eso me subí a bordo del proyecto. Ahora se me dio la oportunidad de contar mi propia historia en la nueva temporada”, detalló el actor surcoreano.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2024/12/30/Squidgame_Unit_203_N0410357957_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>Pero también vamos a ver caras nuevas, por supuesto. “Yo era un gran fan de la primera temporada. Disfruté mucho viendo toda la serie, así que cuando recibí la primera oferta no dudé ni un segundo. Decidí hacerlo de inmediato”, recordó Yim Si-wan (Lee Myung-gi), quien además de actor es cantante de k-pop; en eso coincide con Jo Yu-ri (Kim Jun-hee), quien destacó el guion y el agradecimiento por poder sumarse a la historia.“El show estuvo muy bien planeado y ejecutado”, afirmó Yim Si-wan en diálogo con Filo.news y sumó: “Jugué casi todos esos juegos que están en la serie, me divertí mucho cuando era una niña”. La elección de los juegos, según reconoció el director para The Korea Times, tenía ese objetivo: que sean clásicos, sencillos, y que tengan potencial para que “sean atractivos en todo el mundo”.<blockquote>“Me divertí mucho con todos los juegos, que los jugaba cuando era niña” -Yim Si-wan.</blockquote>“Yo elegiría el juego de saltar la cuerda, creo que puedo sobrevivir a ese juego. Si llego a hacerlo”, sostuvo Yim Si-wan, mientras que Jo Yu-ri añadió: “Elegiría el juego del tira y afloja de la primera temporada, porque de niña me gustaba mucho”.Para Lee Jung-jae, sin dudas el que más se destaca es “luz roja, luz verde”, “porque es muy impresionante, y es algo simbólico, porque es el primer juego”. Lee Seo-hwan, en cambio, eligió Dalgona entre risas “porque incluso si fracasas, comiste dulces, así que vas a ser un fantasma feliz”.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2024/12/30/Squidgame_Unit_206_N012193_(1)6437_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa</figcaption></figure>“El Juego del Calamar” ya está disponible para ver en Netflix, ideal para maratonear en pleno diciembre o para disfrutar en las vacaciones; como dijo el elenco: “Este es un regalo para ustedes”.

A tres años del estreno de la primera temporada, ya se encuentran disponibles los nuevos episodios. Nuevas pruebas, mismo desafío: vivir o morir. ¿Cómo nos interpela la historia? El detrás de escena en exclusiva para Filo.news.

A tres años del estreno de la primera temporada, ya se encuentran disponibles los nuevos episodios. Nuevas pruebas, mismo desafío: vivir o morir. ¿Cómo nos interpela la historia? El detrás de escena en exclusiva para Filo.news.

Video | “El juego del Calamar”: hablamos con los protagonistas y el creador de la serie

Carolina Giraldo Navarro es Karol G, pero también es la ‘sirena Karolina’. Al menos así se presentó el pasado sábado 27 de abril, cuando se prendieron las pantallas del Estadio José Amalfitani. Sus fans -algunos con gorros rosas, otros con coronas de luces y la mayoría con glitters en los ojos- miraban atentos al video animado que se proyectaba en el escenario.Según el relato, la sirena vivía feliz nadando por los mares y tenía una vida de ensueño, hasta que un día hirieron sus sentimientos y su corazón se congeló. Frente a esa tristeza y dolor, no hay nada mejor que cantar a los cuatro vientos ‘TQN’ (te quedó grande) cual himno. Y así lo hizo la cantante colombiana, acompañada y ovacionada por todos a su alrededor.La artista oriunda de Medellín eligió su tema junto a Shakira para abrir la segunda noche en Vélez, luego de la presentación de La Joaqui como telonera. El primer bloque estuvo dedicado al desamor, con canciones como “Tusa” o “Mi cama”, con un despliegue visual que la acompañaría durante todo el recital: bailarines, banda en vivo integrada solo por mujeres, fuegos artificiales, escenografía inspirada en “La Sirenita” y más.“Primero, miren la luna”, dijo Karol mientras apuntaba al cielo, despejado y estrellado a comparación de su presentación del viernes: “Es la segunda noche que estoy con ustedes, que se sienta que va a ser más chimba Buenos Aires”, arengó la cantante.<figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/C6UYW4VsdZn/?hl=es"></oembed></figure>Cual cuento infantil, el segundo bloque continuó la historia de la sirena Karolina, que recibió la ayuda de un hada madrina con forma de mariposa: “Ha llegado el momento de que tomes el control de ti misma. A partir de ahora serás conocida como ‘La Bichota’”, le indicó el personaje imaginario, mientras Karolina se subía a un tiburón y cambiaba su look. Y si lo hace ella, también lo hace Karol G: la cantante volvió nuevamente al escenario, empoderada e hipnótica.Con un look renovado con los colores de Argentina, la artista repasó sus hits clásicos como también los temones de su disco “Mañana será bonito”, que motivó la gira por Latinoamérica: “Qlona”, “Gatúbela” o “Mientras me curo del cora” fueron algunos de los singles que sonaron durante la noche, que todavía tenía lugar para varias sorpresas más.Una de ellas fue la participación de Nathy Peluso para “Gato malo”, canción que cantaron juntas por segunda vez en vivo. “La Bichota, la mamasita, la poderosa, te amo”, dijo la argentina a su colega y sumó: “Gracias Buenos Aires por su amor”. El acto terminó con las rimas de la BZRP Session acapella “Natural no plastic”, coreadas por todo el público.Karol también se tomó el tiempo de saludar a otras exponentes de la escena local que fueron a ver su show, como Nicki Nicole o Lali Espósito. Recordemos que en marzo de este año la intérprete de “Disciplina” se convirtió en la primera mujer argentina en llenar el estadio de Vélez Sarsfield y la segunda mujer en la historia en presentarse en ese lugar, luego de Mercedes Sosa. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.filo.news/noticia/2023/03/05/lali-en-velez-la-ceremonia-consagratoria-de-una-reina-sin-corona">Podés ver la cobertura acá.&nbsp;</a><figure class="media"><oembed url="https://www.instagram.com/p/C6RfY4ot0sF/?hl=es"></oembed></figure>Otras de las sorpresas fue el bloque melódico, con temas como “Contigo”, que estuvo acompañado nuevamente por un cambio de vestuario pero también por nuevos músicos que sumaron saxofón, trompeta, piano. Incluso hubo lugar para un especial ranchero con éxitos como “200 copas”, que sumaron tuba y acordeón. No había solo reggaeton: la música de Karol recorre varios géneros y estilos, y esa noche lo demostró en el escenario.Y si algo no faltó durante todo el show, fue la conexión de la artista con su público: leyó varios carteles, saludó a sus fanáticas más pequeñas e incluso bajó de la pasarela principal a sacarse fotos, firmar autógrafos, abrazar y saludar de cerca a muchos seguidores. “Espero que cuando piensen en la mejor noche de sus vidas, se acuerden de esta noche”, decía la colombiana.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2024/04/29/unnamed_-_2024-04-29T132635.0728636_.jpg"><figcaption>Foto: Gentileza prensa | PH: @livedaleplay</figcaption></figure>Pasadas las dos horas, el evento llegó a su fin. Pero antes de eso, la artista repitió el hit “Amargura”, a pedido de sus fans, y puso a todos a bailar con un remix de “Provenza”. “Encuentren su fuerza, descubran su valor, disfruten cada momento porque solo se vive una vez”, decía el relato de la sirena, el último de la noche, que cerró con un claro mensaje: “Recuerden, hay una bichota dentro de cada uno de ustedes, solo tienen que abrazar su auténtico yo, como lo hizo Karolina. No olviden que no importa qué pase: mañana será bonito”.

Foto: Gentileza prensa | PH: @livedaleplay

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