El origen de Qotzuñi no responde a una producción tradicional. El proyecto comenzó de manera casi fortuita, durante un viaje de fotografía documental por Bolivia, con el objetivo de registrar historias de comunidades afectadas por el cambio climático y el sobre desarrollo humano. En ese recorrido, la casualidad y las redes de colaboración marcaron el rumbo.Un contacto clave fue Jordan Salama, cuyo hermano se encontraba realizando una investigación académica en una comunidad indígena afectada por la desaparición total de un lago. Ese lago era el Poopó, que supo ser el segundo más grande de Bolivia y que, en la última década, se secó por completo.Lo que inicialmente parecía una historia sobre una catástrofe ambiental, pronto reveló una dimensión mucho más profunda.<h4>Más que la sequía: identidad y pertenencia</h4>En diálogo con Filo.news, uno de sus directores, Gastón Zilberman, explicó que durante el trabajo de campo, el equipo entendió que el eje del relato no era únicamente cómo se secó el lago, sino la relación estructural que la comunidad indígena Uru mantenía con él. Los Uru se autodenominan “la gente del lago”: su alimentación, su trabajo y su identidad cultural estaban íntimamente ligados a ese ecosistema hoy desaparecido.El documental pone el foco en esa conexión perdida. Para la comunidad, el lago era “su madre y su padre”. Su desaparición no solo transformó el paisaje, sino también la forma de vida y la autopercepción de quienes habitaban sus orillas, que hoy se sienten huérfanos.<h4>Un relato construido con la comunidad</h4>Desde el inicio, Qotzuñi se pensó como un proyecto colaborativo. La comunidad participó activamente en la construcción del relato: decidió a quién entrevistar, dónde filmar y de qué manera contar su propia historia. El productor del cortometraje fue Florencio Inocente Aguilar, máxima autoridad de la comunidad, quien ofició como guía y nexo con los distintos testimonios.Una de las decisiones centrales fue prescindir de voces expertas externas. No hay científicos ni especialistas frente a cámara. La historia está narrada exclusivamente por los propios habitantes, en primera persona, dando cuenta de su vínculo con el lago y de cómo tuvieron que adaptarse a su desaparición.<h4>Cambio climático, minería y consecuencias globales</h4>El documental también expone las múltiples causas detrás del desastre ambiental: la sequía inducida por el cambio climático, el desvío de agua para la minería y la agricultura, y la contaminación de los suelos producto de los desechos mineros. Factores que, combinados, aceleraron la desaparición de un cuerpo de agua de dimensiones colosales.En apenas 13 minutos, Qotzuñi logra condensar una problemática local que interpela a escala global. “Este lago no se les secó solo a ellos, se nos secó a todos”, plantea el director y ese es el mensaje central de la película, que también funciona como una crítica directa al negacionismo climático.<h4>Impacto real y camino a los Oscar</h4>Filmado en apenas dos semanas, el cortometraje ya fue exhibido en más de 19 países y permitió algo poco habitual: convertir la visibilidad en acción concreta. A partir de las proyecciones, el equipo logró reunir fondos para desarrollar, junto a la comunidad, emprendimientos familiares como alternativas económicas sostenibles, evitando que los habitantes deban trabajar en las mismas minas que contribuyeron a la desaparición del lago.Qotzuñi, dirigido por los jóvenes argentinos Gastón Zilberman y Michael Salama en colaboración con la Nación Originaria Uru del Lago Poopó, fue preseleccionado para los Premios Oscar 2026 y se encuentra oficialmente en carrera hacia la nominación. Actualmente, el proyecto impulsa una campaña internacional para ampliar su difusión y sumar aliados estratégicos que potencien su impacto cultural y social.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

Dirigido por Gastón Zilberman y Michael Salama, el cortometraje documental narra en primera persona el impacto del cambio climático y la minería sobre la Nación Originaria Uru del Lago Poopó. La película ya se proyectó en más de 19 países y busca ampliar su impacto social y cultural.

“Qotzuñi”: el documental argentino que visibiliza la desaparición de un lago en Bolivia

El cineasta y artista visual estadounidense Angelo Madsen visita por primera vez la Argentina para presentar su obra y compartir su mirada sobre el cine contemporáneo, la creación colectiva y la potencia política de la cultura. Con una filmografía que cruza documental, performance e investigación personal, el realizador se convirtió en una de las voces más singulares del cine experimental actual.Aunque suele ser presentado como director, artista y también profesor, Madsen evita encasillarse. “Generalmente digo que soy cineasta y artista visual. A veces soy profesor”, dice entre risas. Su vínculo con el cine tampoco nació desde la cinefilia clásica, sino desde la práctica: “Mi amor por el cine llegó cuando empecé a hacer mis propias películas en la universidad. Me enamoré del proceso de edición: la forma en que podés mover el tiempo y crear una sensibilidad completamente diferente sobre cómo funciona”.Esa relación libre con el lenguaje audiovisual también explica su manera de crear. Madsen no se piensa como un narrador tradicional ni trabaja desde estructuras lineales: “Sigo lo que me interesa y me mantengo cerca de lo que conozco. No me considero un storyteller. Me interesan las ideas y las relaciones. Contar una historia me resulta prescriptivo, como si siguiera una fórmula. Cuando comparto ideas me siento más libre”.Su paso por Argentina no solo estará marcado por proyecciones, sino también por el encuentro con el público. Para Madsen, la experiencia colectiva en una sala tiene un valor irremplazable: “Cualquier oportunidad de que públicos en vivo experimenten una obra juntos es una bendición. Pero hoy, más que nunca, los artistas tenemos que trabajar el doble para poner en primer plano la importancia de la cultura y la diferencia”.Sobre esta primera visita al país, asegura que prefiere evitar idealizaciones: “No conozco Argentina y soy escéptico de los superlativos. Pero estoy entusiasmado por mi primer viaje y seguro de que su público es encantador”.Sin grandes expectativas porque “llevan a decepciones”, el director espera encontrarse con artistas, hacedores culturales y nuevas amistades. “Quiero tener conversaciones productivas sobre el trabajo y la vida”, resume.Con una obra que combina la experimentación formal y la búsqueda identitaria, Madsen llega para abrir preguntas más que para responderlas. Y quizás ahí radica la marca más potente de su cine: invitar a pensar sin necesidad de explicarlo todo.<h4>FAQ8 comienza con una tarde de juego, música y cultura queer</h4>Este 6 de diciembre a las 17, FAQ abre su nueva edición con Queer Ping Pong, un evento participativo que mezcla ping pong, baile, cultura queer y música electrónica. Como parte de su espíritu de experimentación, este año la actividad se realiza en el CETC – Centro de Experimentación del Teatro Colón, un espacio que acompaña la propuesta exploratoria del festival.Gracias al apoyo del Goethe-Institut, Queer Ping Pong llega por primera vez a Buenos Aires con su creadora Yeşim Duman, curadora y gestora cultural, junto a la pole performer DJ FRZNTE (Franziska Zahl, una de las figuras más destacadas de la escena club berlinesa) y las DJs locales Gogó Dansey y DJ Squirt.A diferencia de la lógica nocturna de la cultura de club, Queer Ping Pong propone un encuentro diurno, lúdico y comunitario: una tarde de tenis de mesa, sets de DJ, partidos de singles y dobles, rondas rotativas y un torneo para quienes se animen. Las paletas y pelotas serán provistas, aunque quienes quieran pueden llevar su propio equipo.De gira por primera vez en Latinoamérica, la propuesta sostiene un formato no competitivo, con una única categoría y centrado en la diversión, la integración y el encuentro. La entrada es libre y gratuita.

El cineasta y artista visual estadounidense visita el país por primera vez y reflexiona sobre su relación con el cine, el proceso creativo y la importancia de la cultura en tiempos de incertidumbre.

El cineasta y artista visual estadounidense visita el país por primera vez y reflexiona sobre su relación con el cine, el proceso creativo y la importancia de la cultura en tiempos de incertidumbre.

Angelo Madsen llega por primera vez a Argentina con un cine que desarma la idea de “contar historias”

Angelo Madsen llega por primera vez a Argentina

La Valenti, una de las voces más potentes y originales de la nueva escena argentina, se prepara para coronar el año con un show que promete convertirse en un hito dentro de su propia obra. El próximo 12 de diciembre en The Roxy, la artista presentará “Pop, Folclore y Demencia”, una propuesta que condensa la búsqueda sonora y estética que marcó su último tiempo: unir definitivamente su costado electrónico, su raíz folclórica y su impronta performática.<h4>“Aprendí a soltar”: el proceso detrás del show</h4>“Estamos terminando de armar todo para el 12 de diciembre, pero se viene lindo”, cuenta La Valenti, en un presente que atraviesa con calma. “Lo estoy viviendo tranqui la verdad. Tenemos las tareas delegadas, hay cosas en las que no me meto para no abrumarme. Lo fui aprendiendo con el tiempo, porque cuando arranqué estaba sola y te cuesta soltar”.Ese aprendizaje también se refleja en su identidad artística. A un año del lanzamiento de “La Capitana”, su álbum conceptual, la cantante siente que al fin logró unir sus mundos: “En el último año se reforzó la parte acústica. Yo ya venía haciendo folclore hace bastante, pero todavía sentía que no había logrado unir las partes. Creo que este es el momento”.<h4>Un disco inspirado en mujeres que la historia dejó afuera</h4>El proyecto que desemboca en este show nace de un gesto político y personal: crear un mapa de próceres mujeres, aunque Google no las nombre así. “Cuando empecé a escribir el disco dije: quiero que el personaje sea una mujer más crecida, más plantada. Yo tenía 23 cuando hice mi disco anterior; ahora tengo 28. Me inspiré en mujeres que considero próceres, aunque no estén en los libros”, explica.El nombre “La Capitana” surge de la figura de Eva Perón: “Más allá de cuestiones políticas, tuvo mucha incidencia en nuestra historia. Siento que fue un antes y un después para las mujeres que estaban detrás de un hombre. Para mí ella opacó 100% a Perón”.<h4>Un show que une pop, folclore y electrónica</h4>“Pop, Folclore y Demencia” no es solo un título: es la síntesis de un universo. La propuesta combina un álbum de estudio y una película musical que recorren doce canciones inspiradas en esas mujeres invisibilizadas y en los paisajes patagónicos de su infancia.Sobre el escenario, la artista construye una experiencia sensorial donde el folclore argentino convive con el pop, el hip hop y la electrónica, entre la introspección poética y la energía explosiva. Será una oportunidad para reencontrarse con su público y cerrar el año con un espectáculo vibrante que recorrerá las canciones de “La Capitana” junto a clásicos de su repertorio.<h4>Una artista que tiende puentes entre lo ancestral y lo contemporáneo</h4>Nacida en Neuquén, La Valenti se consolidó como una artista multidisciplinaria que combina música, poesía, performance y una estética fuertemente ligada al patrimonio cultural argentino y a la reivindicación del poder femenino latinoamericano.Tras su debut discográfico con “RCHOP” en 2022, la artista dio un salto artístico con “La Capitana”, una obra que fusiona cine, música y puesta teatral. Ese trabajo la llevó a presentarse en escenarios emblemáticos como Studio Crobar, protagonizar una gira federal en 2025, ser elegida artista EQUAL de Spotify y representar a Argentina en BIME Pro Bilbao 2025.A la par, desarrolla “Corazón Acústico”, un show íntimo de voz, guitarra y violín donde conviven composiciones propias y versiones de íconos como María Elena Walsh y Mercedes Sosa. Este formato ya pasó por la Usina del Arte, el Konex y la Sala Zitarrosa de Montevideo.

La Valenti presenta el 12 de diciembre en The Roxy “Pop, Folclore y Demencia”, un espectáculo que une sus mundos a través de un álbum, una película musical y una puesta performática inspirada en las mujeres próceres y los paisajes patagónicos.

La Valenti presenta el 12 de diciembre en The Roxy “Pop, Folclore y Demencia”, un espectáculo que une sus mundos a través de un álbum, una película musical y una puesta performática inspirada en las mujeres próceres y los paisajes patagónicos.

La Valenti presenta “Pop, Folclore y Demencia”: un viaje entre raíces, poder femenino y vanguardia

La Valenti presenta “Pop, Folclore y Demencia”

Juan Campodónico vuelve al centro de la escena, pero esta vez con un proyecto que lo coloca en primera persona. Después de décadas moviéndose entre bandas, producciones y proyectos colectivos, el artista uruguayo decidió encarar un trabajo que, según él mismo confiesa, surgió casi como una necesidad identitaria. “Había hecho decenas de álbumes, pero en plataformas solo aparecían algunos remixes con mi nombre. Me dio bronca”, cuenta, entre risas. Esa sensación de vacío digital se transformó en una señal: faltaba el disco que mostrara quién es Campodónico cuando se corre del detrás de escena.La génesis del álbum coincidió con otro momento determinante: la llegada de su hijo, Milo. “Hacer este disco fue también una manera de estar más en casa, conectado a ese instante vital”, recuerda. Por eso, el primer track se titula simplemente "Milo". El proceso creativo se volvió un espacio íntimo, pero también una zona de exploración donde convivieron la electrónica, el pulso del tango y la sensibilidad melódica que marcó buena parte de su trayectoria.<h4>Un título entre la contradicción y la identidad</h4>"Todo Esto Tampoco Soy Yo" es un nombre que funciona como declaración y como juego. Contradictorio, irónico, filosófico. “Me gusta que el título tenga varias lecturas. Habla de un distanciamiento introspectivo, pero también de la búsqueda de lo esencial”, explica. Campodónico se piensa a sí mismo en movimiento, en construcción permanente. De algún modo, el título marca ese terreno: la identidad como algo que se desplaza, que no se agota en un solo gesto.Esa ambigüedad también remarca un punto central: no se trata de un disco solista en el sentido tradicional. Más bien, es la obra de un artista que entiende su hacer en relación con otros, que encuentra impulso en la colaboración y en el intercambio creativo.<h4>Colaboraciones que narran un recorrido</h4>Lejos de encerrarse en un estudio, Campodónico convocó voces que representan distintos momentos de su vida musical. Josean Log, Zeballos, Eli Almic, Cami Rodríguez, Jorge Drexler y Sebastián Teysera fueron parte del proceso. “Como productor, estar mirando desde afuera me permite plasmar ideas que no siempre puedo lograr solo. Este disco es de un artista, pero también es de un productor”, resume.La presencia de Drexler tiene un peso emocional particular. Amigos desde sus épocas de estudiantes, Campodónico produjo cuatro de sus discos (Frontera, Sea, Eco y 12 segundos). Incluirlo ahora, dice, es casi un gesto biográfico. A eso se suman guiños a su etapa en Bajofondo, con texturas tangueras que ya son parte de su sello, y la conexión con nuevas generaciones del indie rioplatense y uruguayo, como Cami Rodríguez (Niña Lobo), Zeballos y Eli Almic.<h4>Una nueva etapa que ya empezó</h4>El lanzamiento del disco abre un capítulo que lo encuentra en movimiento. Para este verano, Campodónico planea presentarlo en formato Live Set, un híbrido entre DJ set y show en vivo acompañado por Cami Rodríguez en voz y guitarra. “Toco Ableton, guitarra eléctrica y canto. Es un set más flexible, más lúdico”, detalla.Pero 2026 asoma con ambiciones más grandes: presentaciones formales en Montevideo y Buenos Aires, además de viajes previstos a México y Colombia, con una puesta escénica más desarrollada. “Voy a estar metido a full en esta nueva etapa”, afirma. Y sugiere, casi sin decirlo, que esta búsqueda recién empieza.

El músico, productor y referente clave de la escena rioplatense presenta "Todo Esto Tampoco Soy Yo", un disco que nace entre la búsqueda personal, la paternidad y una nueva etapa creativa donde las colaboraciones revelan sus múltiples capas artísticas.

El músico, productor y referente clave de la escena rioplatense presenta "Todo Esto Tampoco Soy Yo", un disco que nace entre la búsqueda personal, la paternidad y una nueva etapa creativa donde las colaboraciones revelan sus múltiples capas artísticas.

Juan Campodónico: “Había una página en blanco esperando que contara quién soy”

Una bala que atraviesa un corazón. Que late, sangra, se desborda y busca volver a latir. Esa es la imagen que da comienzo a “De amor”, el nuevo universo artístico de Un Muerto Más, el proyecto del músico, actor y poeta Guido Carmona. Un disco, una película, un poema extendido sobre lo que duele, lo que cura y lo que inevitablemente vuelve a doler.El artista, que ya había conquistado a la escena emergente con “Verano en invierno” y con sus performances escénicas —como “La cena”, con funciones agotadas en el Xirgu, Vorterix y el Konex—, vuelve con una propuesta aún más ambiciosa: un proyecto integral donde todo tiene que ver con todo.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=gGBiT9wq0UM&amp;list=RDgGBiT9wq0UM&amp;start_radio=1"></oembed></figure>“Fue un disco que me llevó mucho más tiempo que lo que lleva un disco por lo general. No solo era componer canciones, sino pensar en la parte visual, en cómo se conectaba la historia, cuál era el conflicto. Me gusta mucho el cine, entonces también era un poco pensarlo como una película”, cuenta Guido en diálogo con Filo.news.<h4>Poesía, redes y vulnerabilidad</h4>Durante los últimos dos años, Un Muerto Más se sumergió en un proceso creativo que mezcló escritura diaria, introspección y conexión directa con su comunidad digital. En sus redes comenzó a compartir fragmentos de lo que serían letras o poemas recitados, y lo que parecía un experimento terminó volviéndose un puente real con el público: millones de reproducciones y más de 200.000 seguidores fueron testigos del nacimiento de “De amor”.“Escribí más de 100 poemas para lograr 11 canciones perfectas”, explica. “Quise mostrar un proceso que antes se hacía puertas adentro. La gente fue cómplice. Fue un universo que se sumerge en las heridas del amor, en el camino de sanar, con el único fin de volver a rompernos.”<h4>Un disco que también es una película</h4>De espíritu inquieto, Guido llevó la idea más lejos: “De amor” también es una película conceptual que narra una historia de principio a fin. Se filmó en seis días con un equipo independiente y comprometido con la visión del artista.<blockquote>“Lo más emocionante fue el primer día de rodaje, entender que eso estaba ocurriendo, que había mucha gente igual de metida que yo. Era volver a casa, dormir cuatro horas y seguir. Pero nadie se quejaba de nada. Hubo un ambiente muy lindo”</blockquote>La película tuvo tres funciones exclusivas en el Cinemark de Palermo, además de proyecciones en Córdoba, Mar del Plata y Barcelona. Desde el 18 de septiembre, está disponible completa en el canal de YouTube de Un Muerto Más, el mismo día en que el disco llegó a todas las plataformas.<h4>Lo que viene: un corazón latiendo en Vorterix</h4>La presentación oficial de “De amor” será el 23 de octubre en el Teatro Vorterix, donde Guido promete un show que trasciende los límites del formato tradicional.<blockquote>“Sabía que me estaba levantando la vara a mí mismo. Va a ser una experiencia integral, con la película muy presente y con momentos nuevos”</blockquote>Luego, Un Muerto Más pasará por Sala Formosa (Córdoba, 30 de octubre), Festival Bandera (Rosario, 1 de noviembre) y Casa Rock (Mar del Plata, 29 de noviembre).Con “De amor”, Guido Carmona se reafirma como una de las voces más singulares e intensas de la nueva generación artística argentina: un creador que no teme mostrar sus heridas, ni volver a abrirlas si eso significa seguir creando.

Guido Carmona presenta “De amor”, un disco-película que atraviesa el corazón con poesía, teatralidad y una sensibilidad brutal. Un viaje íntimo y colectivo sobre lo que significa sanar para volver a romperse.

Guido Carmona presenta “De amor”, un disco-película que atraviesa el corazón con poesía, teatralidad y una sensibilidad brutal. Un viaje íntimo y colectivo sobre lo que significa sanar para volver a romperse.

Un Muerto Más: cuando el arte sangra, sana y vuelve a romperse

Sofía Mora está viviendo su mejor momento. Después del éxito de "Super Cursi" y una gira que la llevó por Montevideo, Santiago de Chile, Mar del Plata, Córdoba y Rosario, la artista presenta su nueva era: "El Mundo Real".“El EP salió muy repentinamente, no estaba en los planes”, contó Sofía en diálogo con Filo.news. “Fue muy de la mano con lo que me pasaba personalmente. Necesitaba decir otras cosas, hablar de lo que me estaba atravesando, y esas canciones que tenía pensadas ya no transmitían lo que quería decir hoy”.Así nació "El Mundo Real", un trabajo que Sofía describe como “la contracara” de su disco anterior. Si "Super Cursi" era color, brillo y amor, este nuevo material se sumerge en el desamor y la melancolía, con letras más introspectivas y sonidos que reflejan esa vulnerabilidad.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=1zHn4JGt1Wg&amp;list=RD1zHn4JGt1Wg&amp;start_radio=1"></oembed></figure><h4>Un show épico para cerrar el año</h4>El 24 de octubre, Ciudad Cultural Konex se convierte en el escenario elegido para presentar oficialmente "El Mundo Real". Será una noche al aire libre, con banda completa, invitados especiales y una puesta en escena que Sofía promete que no va a pasar desapercibida.“El show va a estar buenísimo porque va a tener ese contraste. No quiero spoilear mucho, pero la intro va a ser épica. Vamos a hacer algo especial con las canciones del nuevo EP, como una transmisión en vivo con cierta perfo que nunca hicimos antes”, adelantó.Para la artista, cada presentación es un desafío: “Siempre quiero que cada show sea un escalonazo en calidad, sonido y sorpresas. No quiero que sea solo ir, cantar y ya. Quiero que la gente se lleve algo que no espera”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=FsRKhBU2uAU&amp;list=OLAK5uy_narGS5OerGHhpI3GI6dmz-4P-u-FIL2fk"></oembed></figure><h4>Nuevos desafíos y colaboraciones soñadas</h4>En esta nueva etapa, Sofía se anima a cosas que nunca había hecho: “En los visualizers de este proyecto fue la primera vez que actué, que hice una coreografía posta. Buscamos dar ese salto, y la gente lo va a notar en cada show”.Además, el EP incluye colaboraciones con Ainda y Un Muerto Más (Guido Carmona), algo totalmente nuevo en su carrera.“La canción con Guido la hicimos en España. Fue mágico porque sin haber hablado antes, estábamos escribiendo sobre lo mismo. Todo fluyó de manera muy natural”, recordó.Sobre el dúo con Ainda, se muestra todavía sorprendida: “Yo soy muy fan de ellos. Ya daba por hecho que no se iban a sumar, pero les mandé la canción y me dijeron que sí. No lo podía creer”.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=wg5eaXlZHj0&amp;list=OLAK5uy_narGS5OerGHhpI3GI6dmz-4P-u-FIL2fk&amp;index=3"></oembed></figure><h4>Gira, crecimiento y una promesa: no tocar en Buenos Aires por un año</h4>El show del Konex también marcará una pausa en la agenda porteña. “No vamos a tocar en Buenos Aires por casi un año. Quiero desarrollar otra idea para el próximo show, con música nueva. Este va a ser inolvidable y único, literalmente”, aseguró.Después de su paso por España —donde se presentó en el Palacio Vistalegre de Madrid—, Sofía se prepara para una seguidilla de fechas que incluyen el Festival Bandera en Rosario y el Montevideo Music Box en Uruguay.“España fue una locura. Era nuestra primera fecha allá, tan lejos, en un lugar enorme y con mucha gente. Cuando bajé del show me abracé con mi equipo, fue una satisfacción enorme”, contó emocionada.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=5_Ed0JJCqE8&amp;list=OLAK5uy_narGS5OerGHhpI3GI6dmz-4P-u-FIL2fk&amp;index=4"></oembed></figure><h4>Un 2025 para el recuerdo</h4>Con su incorporación a Sony Music Argentina, un nuevo EP, giras internacionales y un público en crecimiento, Sofía siente que este fue un año bisagra:<blockquote>“Este 2025 fue increíble, el mejor año de mi vida. Aprendí mucho, crecí un montón. Arranqué en un estado completamente distinto al que estoy ahora. Pasaron cosas que ni puse en los deseos del año: abrí el show de Emilia en un estadio, canté en España, saqué un EP del que estoy muy orgullosa. Fue un año mágico”.</blockquote>Y para cerrarlo, lo hace a su manera: con un show pensado al detalle, donde cada canción, baile y sorpresa construyen ese “mundo real” que Sofía Mora decidió compartir con todos.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=wornWTZJHY4&amp;list=OLAK5uy_narGS5OerGHhpI3GI6dmz-4P-u-FIL2fk&amp;index=5"></oembed></figure>

La artista cierra el año con una nueva era musical, un EP que nació desde la emoción y la necesidad de decir “otras cosas”. El 24 de octubre se presenta en Ciudad Cultural Konex con un show lleno de sorpresas, invitados y una performance que promete ser única.

La artista cierra el año con una nueva era musical, un EP que nació desde la emoción y la necesidad de decir “otras cosas”. El 24 de octubre se presenta en Ciudad Cultural Konex con un show lleno de sorpresas, invitados y una performance que promete ser única.

Sofía Mora y “El Mundo Real”: la nueva era pop que cierra el año con todo en el Konex

Sofía Mora y “El Mundo Real”: la nueva era pop que cierra el año con todo

Los Cindy Cats ya hicieron oficial el lanzamiento de su primer álbum en vivo, “EN VIVO VOL. 1”, que desde hoy, 17 de septiembre, está disponible en todas las plataformas. El disco reúne los mejores momentos de sus jams 360°, capturando la energía de la banda en directo y la conexión con su público.El material incluye once temas que muestran la versatilidad del grupo y la riqueza de sus colaboraciones: desde “Sábado” y “No soy un extraño”, hasta los tracks con invitados sorpresa como Tiago PZK en “Entre nosotros”, Ivonne en “Cuándo”, Nahuel Pennisi en “Yo vengo a ofrecer mi corazón” y Dandara en “Feelings”. Otros destacados son “Alma de diamante”, con Benja Amadeo como focus track, y colaboraciones con David Lebón, Lía Kali, G Sony y Dani Ribba.“Cada show cambia mucho al anterior. Algunas cosas se repiten, pero siempre buscamos sorprender con nuevas versiones y giros inesperados”, explican los integrantes en diálogo con Filo.news.<h4>Show en Ferro</h4>El factor 360° sigue siendo la firma de la banda: no se trata solo de tocar alrededor del público, sino de repensar cada detalle técnico y escénico. “Cada Cindy Cat tiene un upgrade desde lo técnico: pantallas, sonido, puesta en escena… Todo se adapta al lugar y cada show tiene su propia identidad”, cuentan.Entre amigos y músicos de larga trayectoria, Cindy Cats construyen un repertorio donde se mezclan creatividad, pasión y diversión: “Elegimos los temas según lo que podemos aportar con nuestra esencia, y ahí es cuando se empieza a armar algo hermoso”, dicen.Con “EN VIVO VOL. 1” ya disponible, los Cindy Cats no solo permiten que los fans revivan la experiencia de sus jams desde cualquier lugar, sino que también preparan un show en Ferro que promete cruces de invitados, momentos inéditos y toda la energía de un directo 360°.

Los Cindy Cats lanzan su primer álbum en vivo y adelantan un show 360° lleno de invitados sorpresa, versiones únicas y toda la energía de sus jams en directo. Una cita imperdible para vivir la música desde todos los ángulos.

Los Cindy Cats lanzan su primer álbum en vivo y adelantan un show 360° lleno de invitados sorpresa, versiones únicas y toda la energía de sus jams en directo. Una cita imperdible para vivir la música desde todos los ángulos.

Cindy Cats lanza su primer disco en vivo y promete un show inolvidable en Ferro

<a target="_blank" rel="noopener noreferrer" href="https://www.instagram.com/lali/?hl=es-la">Lali</a> lo volvió a hacer. Y esta vez no hablamos solo de un show inolvidable, sino de un hito que quedará marcado en la música argentina: se convertirá en la única artista en realizar cinco Vélez en un mismo año, convocando a más de 200 mil personas que vibrarán con ella, como ya lo hemos hecho varios en cada presentación.De ícono pop a referente cultural, lo que está viviendo Lali es mucho más que el mejor momento de su carrera: es el reconocimiento a una artista que desde muy chica forma parte de nuestra vida. La vimos crecer en la tele, la acompañamos en sus primeras canciones y hoy nos emociona verla convertirse en una de las figuras más grandes de la música en español.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/08/GALERIA-LALI-VELEZ_023112_.png"><figcaption>Foto: Marco Oviedo</figcaption></figure><h4>Un Vélez convertido en fiesta</h4>El 16 de diciembre, Lali volverá a encender el estadio con su fuerza, su magnetismo y esa conexión única con su público. Con una producción imponente —más de 30 artistas en escena, bailarines, drags, músicos y visuales impactantes— la cantante entregará un show que es pura energía, emotividad y celebración.Desde el arranque, los hits volverán a hacer temblar Vélez: “LOKURA”, “2 Son 3”, “SEXY”, “Obsesión” y “N5” desatarán una vez más el pogo masivo, mientras que temas como “Boomerang”, “Ego” e “Incondicional” regalarán esos momentos íntimos en los que el estadio entero canta a coro con lágrimas en los ojos.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/08/GALERIA-LALI-VELEZ_037424_.png"><figcaption>Foto: Marco Oviedo</figcaption></figure><h2>El estreno más esperado: “PAYASO”</h2>Uno de los puntos más altos de las noches de sus últimos dos Vélez fue el estreno de “PAYASO”, la canción más anticipada del año por sus fans, que venían siguiendo pistas en videoclips, premios y hasta en remeras con frases misteriosas.Lali jugó con la expectativa como solo ella sabe hacerlo y la recompensa llegó con un estreno ovacionado, que a la medianoche ya estaba disponible en plataformas. Un lanzamiento irreverente y rockero que confirma su capacidad de reinventarse en cada paso.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=Bu3oX_Jf1lY&amp;list=RDBu3oX_Jf1lY&amp;start_radio=1"></oembed></figure><h4>Invitados, guiños y emoción</h4>En las noches del 6 y 7 de septiembre también tuvieron lugar las sorpresas. Dillom se subió al escenario para un cruce generacional que explotó en el estadio, y Lali emocionó con una potente versión de “Vencedores vencidos” de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, un homenaje al rock nacional que hizo vibrar a miles.El cierre fue una fiesta total con himnos como “PLÁSTICO”, “FANÁTICO”, “PENDEJA” y “NO ME IMPORTA”, que hicieron saltar a todo Vélez en una comunión perfecta entre la artista y su público.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/08/GALERIA-LALI-VELEZ_012591_.png"><figcaption>Foto: Marco Oviedo</figcaption></figure><h4>Un récord que es también un símbolo</h4>Lo que logra Lali va más allá de la música: es un símbolo cultural. Es la prueba de que el pop argentino puede llenar estadios, romper récords y emocionar a generaciones enteras. Porque hablar de Lali no es hablar solo de una cantante: es hablar de una artista que atravesó infancias, adolescencias y adulteces; que nos representa y nos invita a ser parte de algo más grande.Con cinco Vélez en un mismo año, una gira internacional y un sexto disco que revolucionó la escena, Lali no solo escribe la historia de su carrera: escribe la historia de la música argentina.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/08/GALERIA-LALI-VELEZ_104545_.png"><figcaption>Foto: Marco Oviedo</figcaption></figure>

Con cinco Vélez en un mismo año, una gira internacional y un sexto disco que revolucionó la escena, Lali no solo escribe la historia de su carrera: escribe la historia de la música argentina.

Con cinco Vélez en un mismo año, una gira internacional y un sexto disco que revolucionó la escena, Lali no solo escribe la historia de su carrera: escribe la historia de la música argentina.

Lali hace historia: cinco Vélez en un año, un récord para siempre

El Teatro Maipo se prepara para un estreno que promete emocionar y hacer reír en partes iguales. El 11 de septiembre llegará a su escenario “Las hijas”, la nueva comedia emotiva escrita por Ariadna Asturzzi y dirigida por Adrián Suar, en lo que será su debut teatral después del éxito en cine con “30 noches con mi ex” y “Mazel Tov”.Con funciones por 13 únicas semanas, la obra reúne a tres actrices de primer nivel: Julieta Díaz, Soledad Villamil y Pilar Gamboa. Juntas darán vida a una historia que habla de madres, hijas, memoria y vínculos familiares que, aunque particulares, resuenan en cualquiera de nosotros.<h4>Una reunión familiar con cuentas pendientes</h4>La trama se centra en tres hermanas que se reencuentran para festejar el cumpleaños de su madre, Elena, una jueza exigente y firme que empieza a transitar los primeros signos de Alzheimer. En medio de la celebración, deberán decidir qué hacer frente a esta nueva etapa, mientras descubren que cada una guarda un recuerdo distinto de la misma madre.Soledad Villamil, que interpreta a Inés, la mayor de las hermanas, contó:<blockquote>“Inés es tarotista y siempre tuvo una relación tensa con su mamá. Es ella quien recibe a las demás en su casa y la que tiene una postura más firme sobre qué hacer en esta etapa. Eso va a despertar el conflicto central de la obra”.</blockquote>Por su parte, Julieta Díaz explicó:<blockquote>“Mi personaje es Majo, la del medio. Como psiquiatra, tiene un rol explicativo frente a lo que sucede y queda en el medio de las otras dos. La obra dispara una pregunta universal: qué madre tenemos dentro, qué recuerdos guardamos y cómo se reflejan en cada vínculo”.</blockquote>Mientras que Pilar Gamboa, quien encarna a Roberta, la menor, expresó:<blockquote>“Mi personaje es la excusa para reírse, recordar y también mostrar cómo se atraviesa ese momento bisagra en el que los roles cambian y los hijos empiezan a cuidar a los padres. Es imposible que no te conmueva”.</blockquote><h4>Un proyecto que sedujo a las tres protagonistas</h4>Las actrices coincidieron en que el llamado de Adrián Suar fue determinante. Villamil aseguró que “todo fue un combo perfecto: el texto, el elenco y la posibilidad de volver al Maipo”.&nbsp;Díaz, en tanto, destacó que no podía dejar pasar una propuesta así pese a las dificultades personales que implica hacer teatro. Y Gamboa remarcó: “Nunca había hecho teatro comercial y me entusiasmó mucho compartir escenario con dos actrices a las que admiro”.<h4>Una obra que atraviesa generaciones</h4>Más allá del humor y los cruces entre hermanas, “Las hijas” se mete de lleno en un tema universal: la relación con las madres y el inevitable paso del tiempo. “Es una obra que va a atravesar a todas las generaciones, porque es imposible no espejarse con lo que propone”, afirmó Díaz.Gamboa cerró con una reflexión que sintetiza el espíritu del espectáculo:<blockquote>“La pregunta es qué madre recordás, qué madre tuviste y qué madre te gustaría ser. Ese cruce hace que la obra te toque por dentro”.</blockquote>“Las hijas” se estrena el 11 de septiembre en el Teatro Maipo y se presentará por 13 únicas semanas. Una oportunidad para reír, emocionarse y repensar el vínculo más complejo y profundo de todos: el que tenemos con nuestras madres.

La obra escrita por Ariadna Asturzzi y dirigida por Adrián Suar se trata de una comedia emotiva que, entre risas y tensiones familiares, invita a reflexionar sobre la memoria, los vínculos y el rol de las hijas cuando los padres empiezan a necesitar cuidado.

La obra escrita por Ariadna Asturzzi y dirigida por Adrián Suar se trata de una comedia emotiva que, entre risas y tensiones familiares, invita a reflexionar sobre la memoria, los vínculos y el rol de las hijas cuando los padres empiezan a necesitar cuidado.

Julieta Díaz, Soledad Villamil y Pilar Gamboa se convierten en “Las hijas” en el Teatro Maipo

Julieta Díaz, Soledad Villamil y Pilar Gamboa se convierten en “Las hijas”

El cine argentino sigue apostando a nuevas voces, historias y miradas, y esta vez nos invita a sumergirnos en un viaje adolescente tan luminoso como oscuro. “Verano Trippin”, dirigida por Morena Fernández Quinteros y producida junto a Zoe Hochbaum, propone una aventura en los paisajes de la Patagonia donde la amistad, la rebeldía y el peligro se cruzan en una misma ruta.La película tiene como protagonistas a Miranda de la Serna y a la propia Zoe, dos amigas inseparables que se resisten a aceptar el final de una etapa y deciden llevar su vínculo hasta el límite. A ellas se suma la participación especial de Lali Espósito, en un rol completamente distinto a lo que estamos acostumbrados a ver de ella.<figure class="media"><oembed url="https://www.youtube.com/watch?v=w2nv5e8_T5s"></oembed></figure><h4>Una historia nacida en el sur</h4>La génesis de la película está íntimamente ligada a la propia experiencia de su directora. “Esta historia surge hace muchos años porque yo soy de Bariloche, nacida y criada ahí. Crecer en esos paisajes y con toda esa libertad me regaló un imaginario enorme. Lo empecé a escribir en 2020 y en 2021 conocí a Zoe trabajando en El Fin del Amor. Ahí nació la amistad y tiempo después ella me propuso producirlo”, cuenta Morena Fernández Quinteros.Lo que comenzó como un tratamiento de guion inspirado en mitos del sur, anécdotas personales y esa intensidad propia de la adolescencia, se transformó en una película con identidad propia. “Es una historia de dos amigas que se resisten a separarse, hasta dónde están dispuestas a desafiar los límites y qué estamos buscando cuando queremos todo y lo queremos ya”, agrega la directora.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/04/WhatsApp_Image_2025-09-04_at_12.51.253444_.jpeg"></figure><h4>Zoe y Lena: un viaje compartido</h4>Zoe Hochbaum no solo produjo la película, también se puso en la piel de Lena, una de las protagonistas. “Para mí toda la peli era un viaje: meterme en este proyecto, tener muchos roles a la vez, y después darle vida a Lena. Al principio se parecía más a mí, pero a medida que se sumó Miranda, Lali, Manu, Lena se fue lavando de Zoe y eso estuvo buenísimo. Hoy no se parecen en casi nada. Y eso te obliga a trabajar más, a no ser vago. No habría Lena sin Tony, ni Tony sin Lena”, dice la actriz sobre el vínculo con Miranda de la Serna.La dupla encontró en esa química real un espejo de la propia historia: “Mientras Tony y Lena se iban desenamorando, Miranda y yo nos íbamos hermanando. Realmente encontré una amiga, una hermana, y eso se nota en la pantalla”, confiesa Zoe.<figure class="image"><img src="https://assets.dev-filo.dift.io/img/2025/09/04/VT_STILLS__37595_.jpg"></figure><h4>El plus de Lali</h4>Uno de los grandes atractivos de "Verano Trippin" es la participación de Lali Espósito, en un papel muy distinto a lo que su público suele ver. Morena recuerda cómo se sumó: “Lali es una amiga íntima desde hace años y me acompañó mucho en el deseo de dirigir. Cuando se concretó el proyecto me dijo: ‘¿hay un papel para mí?’. Ahí nació la idea de ‘la diabla’, un personaje distinto, alejado de su imaginario, que aporta muchísimo al universo de la película. Su entrega fue total”.Zoe lo resume con una comparación futbolera: “Lali en el set es como Messi o Maradona. La ves trabajar y decís ‘wow’. Es puro oficio, nada de magia. Esos actores que te potencian, que si estás al lado suyo actuás mejor. Y además tiene un humor increíble, hacía que en el set todo fuera más fácil y divertido”.<h4>Una propuesta distinta</h4>"Verano Trippin" no solo apuesta por una historia fresca y arriesgada, también por una estética muy particular. “Uno piensa en la Patagonia y se imagina nieve. Acá es todo distinto: verdes, rojos, un clima visual muy diferente. Creo que es un gran momento para regalarnos historias nuevas, mundos distintos. Es una peli que entretiene, que te mete en un viaje, pero también que se anima a hablar de la pérdida de la ingenuidad y la intensidad de la amistad adolescente”, asegura Zoe.Morena lo sintetiza en una promesa para los espectadores: “La película propone sumergirse en un mundo oscuro, peligroso, con aventura. Es súper entretenida, con un elenco espectacular y una historia diferente. Creo que la van a pasar muy bien en el cine”.

La película tiene como directora a Morena Fernández Quinteros y como protagonistas a Miranda de la Serna y a Zoe Hochbaum, dos amigas inseparables que se resisten a aceptar el final de una etapa y deciden llevar su vínculo hasta el límite.

La película tiene como directora a Morena Fernández Quinteros y como protagonistas a Miranda de la Serna y a Zoe Hochbaum, dos amigas inseparables que se resisten a aceptar el final de una etapa y deciden llevar su vínculo hasta el límite.

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